videobrodaglia

yeah

2006-05-15T15:49:00.000+02:00

Il blog si è distrutto in mille link e ricomposto in duemila css. Si, proprio come in Terminator.

Bound - Torbido Inganno

2006-04-24T11:30:00.000+02:00

Rivedo dopo moltissimo tempo questo primo film dei fratelli Wachowski che risale addirittura al '96, trasmesso sempre da rete4 e sempre in seconda serata. Un plot innocente: due lesbiche ordiscono un piano per rubare la valigetta piena di soldi che l'uomo di una delle due, un piccolo mafioso, deve consegnare al suo boss. E lo fanno perchè si amano.
Realizzato come un b-movie nei dialogi, nella trama, nella scenografia, pare che sia una buona prova dei futuri registi di Matrix: si notano da subito le somiglianze con quest'ultimo per la fotografia di Pope che abbraccia con il nero tutto il film, e per i suoni affilati del compositore Don Davis. La macchina da presa si muove molto, si privilegiano i primissimi piani e si fa largo uso delle riprese dall'alto. Girato tutto in interni, in un appartamento dall'arredamento pacchianissimo (per intenderci: finto marmo, pavimenti nerissimi, bagno bianchissimo tipo psycho, angolo bar nel salotto, imperium style nel complesso), si fa apprezzare perchè questo è l'unico elemento che mi è davvero piaciuto. Certo ci sono anche due scene lesbo nella prima mezz'ora e le espressioni incazzate di Joe Pantoliano sempre in canottiera, ma è decisamente troppo prolisso. Cede nell'intreccio nel momento in cui i colpi di scena sono troppi e sin dall'inizio quando il personaggio della ladra Corky viene perso per lasciare il posto alla più fatale e procace Violet, la donna del boss. E poi difetti qua e là. Un hard boiled/pulp come questo non può di certo evitare di mostrare amputazioni di dita e corpi perforati accatastati nella vasca da bagno, ma anche il tappeto del salotto imbevuto di sangue. Mi chiedo come sarebbe sembrato se non ci fosse stato l'elemento lesbico: migliore, ma anche troppo convenzionale, diciamo che avrebbe perso tutto. Meglio ancora se l'avessero girato solo in bianco e nero, avrebbe ricordato ancora di più certi film indipendenti vecchissimi o i migliori noir. Apprezabile cmq. L'intento era quello di fare un film sulla fiducia tradita e conquistata vista da due lesbiche che prendono per i fondelli gli uomini, nel dettaglio dei mafiosi abbastanza babbioni.

2006-04-22T19:31:00.000+02:00

2006-04-19T01:34:00.000+02:00

This is something that I dream about: to live films, to arrive at the point at which one can live for films, can think cinematographically, eat cinematographically, sleep cinematographically, as a poet, a painter, lives, eats, sleeps painting.

Bernardo Bertolucci

yoda of the caribbean

2006-04-18T17:00:00.000+02:00

Niente da nascondere - Cachè

2006-04-16T22:34:00.000+02:00

aggiornamento: può capitare delle volte che si cerchi di interpretare troppo o in modo sbagliato un film o una parte di esso; questo mi ha fatto andare un pò in tilt, e a quanto pare non sono stato l'unico. Rimando a questo link la soluzione di ogni dubbio. La recensione non la cancello... ci ho cmq perso del tempo per scriverla.

Gioco di alta autorialità e poco altro. Sono stanco di andare a cercare nei film qualcosa che andrebbe salvato, lì dove gli stessi registi non si preoccupano di dare al loro lavoro un anima.
Ma perchè dobbiamo ricordarci di questo thriller, volendo, atipico? Perchè è interamente costruito su un solo elemento che possiamo vedere da due lati: il piano sequenza come forma dell'occhio che spia e che provoca, il rimosso individuale e storico che riemerge inteso come "atto non motivato". Scendo nello specifico. Il protagonista del film, interpretato da Daniel Auteil, è il condutorre tv di una trasmissione sui libri; un giorno riceve la vhs di una misteriosa e lunga ripresa da lontano della sua casa. Ma insieme al video viene recapitato anche un disegno che mostra il volto stilizzato di un bambino che vomita sangue. Lentamente scopriremo che il protagonista cela un segreto, un torto causato in un remoto passato, un episodio attraverso cui il regista àncora il richiamo alla situazione politica tra Francia e Algeria. Ed è esattamente questo l'aspetto interessante di Niente da nascondere: rappresentare l'inquietudine e il terrore attraverso il thriller per richiamare in modo atipico un momento storico che deve essere affrontato. Si parla di Francia e Algeria, ma il discorso potrebbe valere anche per America e Medio Oriente, tra qualche tempo forse. Il mistero verrà ovviamente risolto, tutto ci verrà mostrato e ciò che venne riposto nell'intimo ritornerà a galla. Detto così sembra che ci sia un lieto fine, ed invece il film lascia impressioni che non ci piacciono. Sembra che siamo stati ingannati oltre che annoiati. Haneke lavora troppo sull'ambiguità dell'immagine, ne fa un gioco a cui diventa vano e dispersivo partecipare. Alla fine le interpretazioni assurde (sul web ne girano diverse) che prendono spunto dal piano sequenza finale, si allontanano troppo dalla materia del film, facendo quasi concorrenza a quelle su Donnie Darko. Il difetto di questo Cachè è appunto il voler troppo calcare su una riflessione metalinguistica: in fondo Haneke vuole anche avvertirci che l'immagine è fallace, terribilmente ambigua. Ma perchè farcelo sperimentare così tanto sulla nostra pelle? Un'interpretazione l'ho cmq elaborata anche io. Più che pensare ad un'accordo tra i figli, vedrei quell'ultima immagine come un altro avvertimento: la nuova generazione di adolescenti è quella che per prima consuma e produce video senza difficoltà, cosicchè grazie ad essi i figli costringono i padri a fare i conti con i conflitti che hanno provocato in passato. Senza giudicare quello che avviene, Michael Haneke fa uccidere il padre algerino dal figlio che confeziona e recapita i video a sua insaputa, in questo modo l'autore mette in scena l'urgenza di una revisione storica che scaturisce dal dominio dei media sulle nostre vite (intimità). Tutto ne conseguirebbe. Tutto il film potrebbe essere un' auto-emanazione dell' "inconscio" del protagonista ( da dove e da chi provengono quei video diventerebbe così meno importante), o cmq l'effetto della pervasione (ma anche perversione) della tecnologia. Potrebbe essere una interpretazione labile, ma potrebbe anche essere un sottotesto immesso dal regista in modo non consapevole.

Broken Flowers

2006-04-16T01:31:00.000+02:00

Difficile parlare di un film umorale che va gustato e apprezzato come un caffè al bar (ovviamente seduti), un' immagine costruita proprio da Jarmusch in quel gran film a episodi che è Coffee and Cigarettes. Concettuale quello, maliconicamente ironico questo. Un'ironia che è cmq vagamente assorbibile se non si riescono a comprendere le espressioni minimaliste del volto con cui Bill Murray scolpisce le sue battute. Jim Jarmusch ci gioca dando al personaggio interpretato da Murray un nome che è tutto un passato di avventure, un archetipo che adesso sarebbe difficile da reggere: Don (Giovanni). Ecco così un film malinconico sulle conseguenze di un'avventura incosciente, insistendo sulla ricerca della madre (e non del figlio di cui si ritrova esser improvvisamente padre) tra le uniche quattro donne che non vede da venti anni. Per noi è un'occasione per ammirare attrici del calibro di Sharon Stone e Jessica Lange, ma anche Julie Delpy, che interpretano donne altrettanto sole e cmq bizzarre, stralunate; per Jarmusch è un modo per creare quattro episodi in cui far parlare persone lontane nel tempo e nello spazio, per imbrigliare in momenti di palpabile squisitezza l'essenza delle caotiche relazioni umane.
Forse il film è lento, ma quanti altri diversi da questo vengono etichettati allo stesso modo? Broken Flowers è di sicuro una storia che non da soluzioni finali, lascia e toglie qualcosa, ma lo fa dando il giusto tempo ad ogni pensiero, ad ogni umore del protagonista. Peccato dunque considerarlo solo "lento". Di Broken Flowers conservo il rosa, colore di tutte le donne e di tutte le possibili avventure, le musiche, di un genere che non saprei definire, l'assenza di tempo come anche l'assenza di vento, la segretaria bionda della dottoressa Lange. Di Jarmusch porterei a casa i tavolini su cui poggiare il caffè e le conversazioni che ci girano attorni.
Peccato che a distanza di qualche ora del film rimane solo un residuo ricordo piacevole.

all is full of bells

2006-04-08T01:07:00.000+02:00

C'è un solo video di Bjork che potrebbe non piacerci? Ricordo sempre con due occhi spalancati quello realizzato per la canzone bachelorette da Michel Gondry, una costruzione in abisso (come direbbe un buon semiologo) da far rabbrividire. Questa volta è un certo Dawn Shadforth che per la canzone "Who is it" gioca con pochi elementi del paesaggio islandese scabro, post-vulcanico, deserto, infinito, e una Bjork che indossa un abito bianco tubolare fatto con campanellini. Tutto sottolinea sempre di più l'unicità di una cantante che è costantemente aliena dalla monotonia sia sonora che vocale che visiva. Un video limpido, bianco, argentato, minimalista.
Simpatico anche il sito che si sviluppa in orizzontale.

Il Caimano

2006-04-08T00:13:00.000+02:00

Il Caimano è divertente, lo metto al pari dell'ultimo Verdone per la quantità di risate.. anche se bisogna chiedersi quanto può valere una comicità morettiana, direi quasi inconsapevole, confrontata con quella verdoniana. Mi si dice che il primo fa solo ironia (se pure ci riesce) e che il secondo è il vero comico. Eppure mi sento di scrivere che Moretti potrebbe davvero farci ridere, ma di stomaco. Basterebbe che fosse ancora più naturale e sarebbe la perfetta sintesi tra l'onorevole Trombetta e Totò. Fantascienza, certo, come il suo film. Non è vero che nel presentarlo da Fazio l'ha etichettato in questo modo? :) Di politica ce n'è davvero poca: viene sfiorata perchè è rappresentata (quella sagoma di Berlusconi) con molta autorevolezza di intelletto e di ironia. Che poi sia tutta presunzione o grande dote intellettual-artistico-comunicativa, questo ognuno deciderà. Però ci si diverte, soprattutto nella prima parte, quella luminosa (o almeno non ancora cupa), quella in cui Moretti ci avverte metacinematograficamente che questo film in Italia non sarebbe esistito mai se non se ne fosse davvero avvertito il bisogno. Un ragionamento che fila: il concetto fondante del film è il bisogno, tolto quello non abbiamo politici, non abbiamo intellettuali e tanto meno il film (anti-materia inoffensiva). Ecco che mette in scena critici di ogni tipo, generi cinematografici che si autorivalutano, sceneggiature che si autogenerano nel momento in cui diventano film, e, meglio ancora, valigie piene di soldi che cascano dal cielo sfondando il soffitto del più alto ufficio milanese dell'italiano più furbo e sorridente, quello che ha una buona definizione non solo per se ma anche per quelli che lo odiano. Proprio come accadeva a Donnie Darko, solo che lui era mezzo fatto.
Nanni Moretti. Del Caimano si è detto che si sviluppa su almeno tre livelli: la famiglia, il cinema e la politica. Ho è escluso il terzo, rido con il secondo, del primo dico che credo di aver passato troppo poco tempo con i lego...
Voglio concludere seriamente. Nanni Moretti ha bisogno di andare in tv, ha bisogno di fare qualcosa per la tv. Lo si vede da come muove la macchina da presa: è un film per la tv, per la miseria! Lui ha davvero bisogno di esprimersi in maniera ancora più popolare :)

V per Vendetta

2006-03-24T17:07:00.000+01:00

Perchè i Wachowski hanno solo adattato e non diretto questo film? A ben vedere pare che la decisione sia stata quella giusta. Non c'è il rumore visivo e sonoro degli ultimi due Matrix, anzi è molto parlato e non lascia tantissimo amaro in bocca.
V per Vendetta riesce a dare una sana rispolverata al genere totalitaristico aggiungendo all' opposizione ribelle vs sistema la figura di V, incarnazione di un ideale di rivoluzione dall'assuefazione della massa: è un superuomo che decide di sacrificarsi diventando simbolo facilmente penetrabile nelle menti di chi è chiuso nella paura e nella priorità sociale di una sicurezza globale. È un film che si dimostra estremamente attuale nel momento in cui elabora eventi reali come gli attentati terrostistici e la diffusione dell'aviaria in una finzione che dobbiamo (e ci riusciamo) avvertire come sprone per la nostra realtà. Molto più efficace, dunque, risulta essere questo film rispetto alla trilogia di Matrix soprattutto perchè è stato scelto di puntare più sulla sceneggiatura che sugli effetti ormai familiari. La densità di spunti e degli elementi è però complementare di una certa fretta nel comprimere tutta la storia fino alla catarsi finale: più volte troviamo personaggi che spuntano all'improvviso e che invece richiederebbero un avvicinamento meno arrischiato. E in effetti qualcosa bisogna pur sacrificare. Tra queste anche l'interpretazione di una lineare Natalie Portman e un monoespressivo Stephen Rea. In teoria si potrebbe tranquillamente sorvolare su questi difetti che durano giusto la visione del film... ma è proprio il film che mi "permette" di sorvolarlo facendomi diventare più curioso della graphic novel.
A ricompensarci in toto è cmq il personaggio di V, talmente penetrante che senza difficoltà tutti potrebbero vestirsi ed essere come lui: un novello Darth Vader che si regala al popolo quasi come il cioccolato wonka (!).

Reinserire la cassetta, prego...

2006-03-24T16:27:00.000+01:00

Pare che sia giunto il momento di rimettere mano al blog di (pseudo) critica cinematografica.

C'è qualcosa da cambiare. Innanzitutto il titolo. È sempre stato provvisorio, per non parlare del sottotitolo ancor più penoso. Due: il template. Colori e font non mi piacciono più. Pesanti ed obsoleti. Mi sa che forse cambierò piattaforma, splinder offre template diversamente accattivanti.
Da cambiare anche i contenuti. Non più una "critica" strappata dalla bocca, ma impressioni anche a caldo e senza la grande pretesa di argomentare nei minimi dettagli. Se pure qualcuno volesse leggere tutto ciò, non dovrà annoiarsi.
Non solo film ma anche tv, forse spot, forse telefilm: cazzeggio audiovisivo quotidiano. A cosa serve tutto questo? Forse solo a stilare un futile elenco delle migliori e peggiori visioni, senza mai dimenticare che l'immagine è indifferente e spietata ---> meglio non affidarsi mai a nessuna forma di linguaggio audiovisivo.

[citazioni]

2005-10-16T12:28:00.000+02:00

La verità è sempre inverosimile. Per renderla più verosimile occorre mescolarla con un pò di menzogna - Dostoevskij (Demoni)

Nella vita bisogna provare tutto almeno due volte, una non basta per capire se ci piace - Marlon Brando

non mi resta che comprare

2005-10-15T16:51:00.000+02:00

Con tutta la buona volontà.. ma al cinema non riesco ad andarci. Se trovi un traffico immenso prima di parcheggiare l'auto di fronte al tuo multiplex di goduria e poi una fila altrettanto infinita al botteghino, bè non scendi nemmeno e torni indietro. Ma non desisto del tutto: tra lunedì e sabato mi rifarò.

Intanto i miei acquisti necessari odorano di capolavoro. La mente ha bisogno di intense iniezioni di immagini dalle 4 stellette in su. Due Kubrick che dovevo procurarmi in dvd, L.A. Confidential, La Sottile Linea Rossa.
Scarseggiano in toto di extra, però a 10 euro ognuno...

W(ithout)end...

2005-10-05T01:00:00.000+02:00

Questa immagine mi ha folgorato. Un angelo dondola con una sicurezza alienante nel nero inchiostro della pellicola.. senza bagnarsi. Un movimento eterno, ora.

trailer - Genesis

2005-09-28T13:22:00.000+02:00

Non un documentario didattico sulla natura, ma un grande racconto (mito) sul mondo e le creature viventi.

Genesis

prossimamente nel vostro naso

2005-09-27T18:35:00.000+02:00

La Fabbrica di Cioccolato

2005-09-25T20:36:00.000+02:00

Mi ha lasciato leggermente freddo.
Non che non sia un bel film ma da Burton mi aspetto maggior invenzione.
Ad essere realmente apprezzabile per la visionarietà e, nello specifico, i personaggi di Willy Wonka e Charlie, è il libro di Roald Dahl: una favola scritta con un linguaggio limpido, scorrevole, entusiasmante.
La lettura di Tim Burton è un notevole spettacolo per i sensi, però non presenta il meraviglioso di altri percorsi fantastici tipo "Pomi d'ottone e manici di scopa" e nemmeno quello di "Mary Poppins": mi riferisco ai classici intramontabili perchè è lampante che questo voglia porsi nella stessa lista. Per farla breve e non dilungarmi sui "soliti" anche se indispensabili elogi alla musica, all'interpretazione di Depp e al citazionismo sorridente, il film è ottimo per dialoghi dei bambini e soprattutto (l'aspetto davvero più memorabile!) per le esibizioni degli Umpa-Lumpa (il flash-back della foresta è superbo). Di Tim Burton è presente, diciamo immancabile, la tematica del rapporto padre-figlio che costituisce la differenza più importante con il libro di Dahl, ma cos'altro di nuovo che non sia quello che di Burton già conosciamo?
Lo considero sia uno dei migliori di questo autore per il ritmo e la maturità narrativa, che uno dei più stabili, meno innovatori. Insomma nessun passo in avanti.

Corpse Bride spero sia notevolmente superiore.

Good night, and good luck

2005-09-22T22:53:00.000+02:00

Si fa presto a dire cosa non è questo film: non è bellissimo.

Viene selezionato per partecipare al concorso principale di Venezia62 e dopo la prima visione della stampa piovono i complimenti per tutto il lavoro attorno alla figura di Murrow.
Per fortuna il film è stato perfettamente pubblicizzato senza dare un peso eccessivo alla persona di Clooney, alla quale nessuno, pare, aver risparmiato gli elogi per aver confermato di saper abbinare la sua immagine ad una mente impegnata.

Saltando premesse e piccole considerazioni, che cmq mi trovano d'accordo, "Good night, and good luck" è un film che adempie perfettemante al suo compito, cioè mostrare il miglior giornalismo (che sia televisivo o no poco importa), e il miglior uso dello strumento-televisione.
In un epoca di usi decisamente impropri del mass medium per eccellenza, Clooney offre il proprio punto di vista con uno spirito diverso da quello di Moore, ma con la stessa intenzione di avvertire le coscienze. Ci riesce? Si, perchè quando si esce dalla sala (ma anche durante la visione) il confronto con la poca inchiesta nella tv italiana, ma soprattutto il confronto con lo stato del giornalismo in italia, è inevitabile e deprimente.
Per far questo il regista ci inserisce hic et nunc nei difficili meccanismi di programmazione di un settimanale ("See it now", guarda caso). Il film è il programma-televisione, è il giornalismo televisivo che usa il mezzo cinematografico per aplificare se stesso: e non stiamo parlando di un documentario, ma di qualcosa che gli assomiglia molto. L'atmosfera, è stato scritto ovunque, è quella di un telegiornale degli anni '50 che diventa prefettamente l'universo in cui avviene tutto. Così l'intera storia e tutti i personaggi, compreso il protagonista, assumono un aria di innaturalezza, sono fatti della stessa materia della televisione, sono l'anima del televisore, e per questo non sembrano affatto reali, ma sospesi in una densissima e statica rappresentazione del concetto di giornalismo televisivo molto orale, radiofonico.
Volti, gesti, dettagli vengono immortalati, scolpiti dallo sguardo ammirante di George Clooney che dimostra di aver capito la lezione del padre. Ci offre così una sua lezione molto ben costruita con attori di grande bravura, con una sceneggiatura compattissima, uno sguardo e un orecchio sensuale quasi ipnotico (quello del fumo della sigaretta, del jazz che riempie e rassicura con voce materna) e soprattutto con un ottimo uso dei reali filmati che riguardano i processi di e con McCarthy. Il gioco tra finzione e realtà è riuscito perchè tutto il film fa affidamento a questa costruzione sottilissima sempre più addentrante nel reale attraverso l'uso più appropriato degli strumenti del fittizio.
Però è proprio quest'atmosfera irreale, rigida, statica, morta, senza passioni che riescono davvero a spiccare e a sfondare, che non rende il film bellissimo, ma solo bello/sufficiente. Edward Murrow è senza respiro, eppure il suono della sua voce sopravvive alla sua immagine: di Clooney-persona è sorprendente proprio questo far risaltare il messaggio di Murrow più che il corpo-Murrow. Non a caso ciò che ha fatto è già compiuto quando il film inizia e finisce con il discorso di ringraziamento di qualche anno dopo. Nonostante tutto ciò l'estetica del programma televisivo non fa trionfare il film come dovrebbe, che invece resta in un equilibrio senza mai permettersi un'impennata che ce lo faccia ricordare per un momento esemplare.

Les amantes reguliers

2005-09-13T16:46:00.000+02:00

È una manna per chi a Venezia quest'anno non ci è andato. Fuori Orario in cambio di qualche migliaio di euro e prima della distribuzione nelle sale, riesce a regalare (anche se mezz'ora prima la programmazione ufficiale... ma tant'è, due miracoli insieme non si possono ottenere) uno straordinario bianco e nero, un grandioso effetto speciale che non è nostalgia ma autocritica, il ritorno al '68 parigino oggi, un'attimo dopo la contestazione e uno prima che tutto svanisca nel vuoto della delusione.

Pochissimi film si imprimono nella mente per la capacità di riuscire a trasudare la realtà dei pensieri, di tutto ciò che è sofferto e percepito. La bellezza del film di sicuro non è tutta nel saper raccontare come un sequel degli affetti il The Dreamers di Bertolucci, ma è anche nell'incredibile e raro talento di donare il senso di universalità e pienezza strabordante come pochi grandi racconti epici. L'impressione può essere quella di aver visto un Heimat di tre ore, senza che appaia come un suo trailer. Ed infatti Ghezzi nel presentare il film ha citato sia la gigantesca saga di Reitz che il lontanissimo Episodio III di Star Wars (punto di raccordo, ritorno ai conti del passato, sequel infinito...) contestualizzandolo, come se ce ne fosse bisogno, all'interno di grandi racconti intimistici attraverso cui passa la Storia.
Il fresco Leone d'Argento è attraversato da tre atti necessari: la contestazione, le conseguenze e la critica all'utopia, l' inevitabile individualismo. La prima parte non ammette altre forme che non siano oggettive e Vere: piani lunghi fissi sulla polizia e carrellate sui contestatori, parole pochissime, creando così un ambiente apocalittico fatto di suoni e sagome. Nella seconda il liet motiv di un pianoforte (che forse c'è), circonda i volti, sempre più vicini a noi, dei ragazzi che tra una fumata d'oppio, gli incontri determinanti alle feste, la fuga dal gendarme e poche/molte parole di autocritica rende tutto eterno. L'epoca delle poche parole è quella dell'inevitabile individualismo: amicizie che terminano, utopie fagocitate dalla realtà, l'amore che dà senso a tutto. La storia è sempre la stessa, ma è il modo in cui è raccontata che ci piace.
Garrel si destreggia tra il senso di amarezza, la consapevolezza di essere l'ultimo cinèfile di Francia a parlare di '68 e tutto il cinema che in 38 anni è stato fatto. E grazie a questo film riesce ad azzerare tutto il cinema della delusione ripartendo da quel preciso ultimo momento dell'utopia, con una personalissima e amara autocritica, che non è lapidaria. L'ultimo diventa uno dei primi.
Tante parole per dire che il film è bellissimo e che adesso solo un altro mi ritorna in mente, L'Atalante di Jean Vigo.

Il Maestro e il Leone

2005-09-09T22:16:00.000+02:00

[...] penso che ognuno di noi debba guardare il mondo con i suoi occhi e non attraverso una lente, quindi ognuno di noi deve cercare di scrivere o di disegnare ciò che vede con i suoi occhi.

Ci può parlare del rapporto con i suoi film e con i loro messaggi?
Se avessi saputo trasmettere ciò che penso attraverso le parole non avrei fatto dei film, è lì che dovete cercare ciò che ho da dire.

Cosa pensa dei DVD come supporto per vedere i film anche in lingua originale?
Io non ho neppure un lettore DVD e non ho in programma di comprarne uno.

sentieriselvaggi

F come Fischi (per Faenza)

2005-09-08T18:02:00.000+02:00

Più che la durata della Mostra, ai critici e al pubblico abbonato ad un certo punto fa male la gran quantità di film visti ogni giorno, cosìcchè pare quasi automatico scaricare tutto lo stress ottico su un solo film, peggio se è tra quelli più attesi. Non avendolo visto penso che sia stato anche questo uno dei motivi che hanno portato il pubblico in sala a fischiare, ma anche solo a non applaudire o a rigettare senza darlo a vedere, il film di Roberto Faenza. L'anno scorso toccò a Placido e al suo "Ovunque sei", il quale avrebbe dovuto rifarsi dalle stroncature della critica con un buon successo del pubblico alla sua uscita in ottobre; ciò non avvenne, anzi se ne riparlò così poco che non fece più testo la sua scarsa presenza nelle sale.
Riguardo questo di Faenza,"I giorni dell'abbandono", leggo dai giornali e sento dalla tv dei bravi Buy e Zingaretti, ma da quello che ho capito la storia della protagonista è talmente sofferta che credo che eviterò di vederlo a cinema.
Pregiudizio? Solo una semplice scelta. È una storia che adesso non mi interessa per i sentimenti che mette in scena e più in generale è proprio il tipo di storia che cerco di evitare sempre perchè semplicemente non mi dice nulla.
Si, ma come mai alla Mostra non viene proposto un film che può interessare anche il pubblico giovane? Possibilmente un film italiano ed in concorso. Se ce ne sono li troviamo semmai nelle categorie collaterali tipo Orizzonti o Mezzanotte...

Film a parte, pare che Faenza voglia girare il seguito del suo ostracizzato "Forza Italia!" del '78 che dalle intenzioni vuole essere una parola severa verso gli italiani assuefatti:
"Non me la prenderò con i politici, ma con la parte infetta di noi italiani che assiste alla degenerazione di questo paese, alla sua fine, e non reagisce"
Resto in attesa.

Nuovo Cinema Paradiso

2005-09-04T19:54:00.000+02:00

Questo film di Tornatore credo abbia fatto su di me lo stesso effetto che fece agli italiani quando uscì. Furono forse i tagli (mezz'ora, mi pare) a renderlo meno sentito dal pubblico, e probabilmente lo stesso pubblico non era pronto per un simile film. Sinceramente non ricordo in quel periodo che film circolavano, nè quale fosse il gusto cinematografico predominante. Credo cmq che Nuovo Cinema Paradiso meriti una visione senza tagli di alcun tipo. Quelli pubblicitari di rete4 me lo resero quasi insignificante.
Molto autobiografico. L'infanzia e l'adolescenza di un ragazzino di un paese siciliano, legate alla magia del cinema. La vita di paese costellata di personaggi felliniani visti da un bambino di dieci anni, la sala di un cinema parrocchiale, anzi la cabina di proiezione del "Paradiso", la figura paterna sempre assente ma sublimata nel cinema ed incarnata in quella di Alfredo... : il fascino del film è soprattutto in questa prima parte. Nella seconda, quella dell'adolescenza, troviamo i tentativi di vivere ad immagine e somiglianza del cinema, e soprattutto la dura costatazione che la vita è altrove da quello spazio e quei tempi della formazione. La fuga forzata. La terza parte in realtà è tutto il film perchè coincide col ricordo di Totò adulto, regista e ancora lontano dall'amore. Indimenticabile il montaggio finale dei baci cinematografici mai visti perchè tagliati. Tutto il film è la cesura dalla memoria nostalgica e l'apertura verso la realizzazione di qualcosa che bisogna credere possibile.
Come si fa ad immaginare un simile film scisso dalla musica di Morricone? È impossibile!
Tornatore sperimenta sempre. L'innocenza e la semplicità di questo film credo stia nella qualità grezza di certe scene: possono o non possono piacere. Adesso come la prima volta, l'adolescenza di Totò mi sembra fin troppo ingenua, dialoghi troppo semplici. Per poterli accettare bisognerebbe pensare che il personaggio e i suoi dialoghi in questa parte sono stati scritti tenendo presente i film romantici della hollywood classica, e non solo. Ma ancora non mi convince. Ciò che però mi dà più fastidio è il doppiaggio di Totò ragazzo e adulto. Le voci mi sembrato distanti dall'attore. C'è poco da fare quanto certe cose non scendono.

Fame chimica

2005-08-26T15:17:00.000+02:00

Periferia di Torino. Due amici: uno spaccia, l'altro lavora. Sono molto legati e amano la stessa donna. Due bravi ragazzi, nel significato letterale del termine, che non denunciano nè combattono nulla, si adeguano al proprio modo di vivere senza ricorrere a violenza e ad eccessi. Nonostante l'ambientazione e i ruoli, i registi Paolo Vari e Antonio Bocola non creano nulla di socialmente allarmante, fanno girare la storia attorno a dialoghi molto verosimili e a personaggi che non hanno bisogno di attori. Essenziale e convincente perchè sui problemi tra residenti e spacciatori extracomunitari e sulla tematica del lavoro precario non fanno pseudo-intellettualismi.
Le periferie di solito sono intese come focolai e serbatoi di violenza, palchi dove si scontrano gli ultimi della società, ma in questo film dal bel titolo "Fame Chimica" si vuole illuminare con la concordia gli scontri tra le persone che abitano questi luoghi di lavoro, sopravvivenza e ozio.
Sulla scena troviamo i due protagonisti sospesi tra i loro tranquilli ideali di amicizia e felicità, e l'implicito desiderio di fuggire da quella periferia, una fuga che non vuole nascondere niente.
Ottime interpretazioni e una colonna sonora incredibilmente evocativa che unisce Little Tony a Zulù, passando per Ludovico Einaudi (bel pezzo "la linea scura") e Pino Daniele. Azzeccatissimo e memorabile l'intervento davanti alla macchina da presa dell'ex-99 Posse che come un coro greco commenta e rafforza con le sue canzoni lo spirito del film.
In conclusione, la pellicola dimostra buone intenzioni, ciò in cui difetta è uno sguardo documentaristico troppo presente che non permette alla storia di presentarsi in modo solido rispetto al mediometraggio di cui è un'evoluzione.

tributo a Edward Bunker

2005-07-27T20:13:00.000+02:00

Il 19 Luglio è morto un genio.

Quanta gente se n'è accorta? Gli appassionati lettori dei suoi libri hanno sicuramente risfogliato in questi giorni almeno uno dei suoi capolavori per ricordare, qualora ce ne fosse bisogno, lo stile e le vere storie di sopravvivenza criminale di cui è stato testimone o di cui cmq ha sentito parlare dai suoi "attori". Chi ama i noir, i crime-novel/crime-movie, l'hard boiled... non può non conoscerlo.

Edward Bunker aveva 71 anni. Non sto di certo qui a scrivere in poche battute la sua storia personale, basta leggere alcune sue dichiarazioni per capire che era un detenuto intellettuale, uno che ha passato molti anni in carcere e che ha scelto di salvarsi scrivendo storie che sono la realtà dei fatti accaduti. Una rarità. E tutto questo grazie anche a un quoziente intellettivo sopra la media.

Venerato da due grandi, James Ellroy e Quentin Tarantino che gli affidò la parte di Mr Blue in "Le Iene", ha sempre scritto storie di criminali viste dal punto di vista criminale, analizzando in tutte le sue sfaccettature il sistema penitenziario americano. Il grande romanzo che me l'ha fatto conoscere è "Come una bestia feroce" e non posso non assicurare che ciò che dice Ellroy del protagonista è assolutamente vero: "non uscirete intatti dal vostro incontro con Max Dembo".

(il sottotitolo del blog è una citazione da pag. 129)

Da St. Quentin a Quentin Tarantino
Intervista da I Miserabili

Adaptation. (Il ladro di orchidee)

2005-07-25T17:46:00.000+02:00

"Tu sei ciò che ami, non ciò che ama te"

Due parole per descrivere di che film si tratta: la storia originale della ricerca dell'originalità di una storia. Ma anche la drammatizzazione dell'esigenza ossessiva (o l'ossessione dell'esigenza) di trovare nella natura la causa scatenante del suo movimento, della sua evoluzione, del suo continuo adattamento... a se stessa.
Spike Jones si inchina alla bizzarra originalità della persona e del genio dello sceneggiatore Charlie Kaufmann e realizza il film sulla scrittura (ma soprattutto del tentativo di scrittura) della stessa sceneggiatura: ne esce fuori un film pieno di parole, sensi e riflessioni assolutamente non pesanti, non filosofiche, sulla vita, la sua origine, la menzogna e chi più ne ha più ne metta. Charlie Kaufmann suo malgrado è un eroe del tormento interiore, della solitudine per sociopatia, ma anche l'eroe del genio che infine riuscirà a partorirsi fregandonese (come tutti i genii) delle regole del successo. L'interpretazione che dà Nicholas Cage (somigliante, volendo, anche a Depardieu, come da disposizioni!) dei due gemelli è ottima, Chirs Cooper e Meryl Streep sanno camuffarsi in qualcosa di veramente insolito: personaggi che, quasi allenianamente, escono fuori dalla sceneggiatura ed entrano nello schermo.
La tesi del film di Kaufmann-Jones di lasciare da parte almeno per una volta il mutamento dei personaggi di(in) una storia per narrare l'essenza di un fiore (della natura), viene controprovata e fatta cadere dall'impossibilità del suo demiurgo di non farsi coinvolgere: è inevitabile che entri in essa donandole il movimento che le necessita. È la complementarità tra autore ed opera alla base della riflessione di Kaufmann-Jones. Non solo. Credo che la riflessione riguardi anche la necessità esistenziale di evitare di diventare i propri pensieri, non farsi coinvolgere troppo da essi tanto da restar chiuso in una trappola senza risposte giuste che permettano di uscire. Il personaggio dello scrittore è cmq la vera rappresentazione del demiurgo onnipotente perchè la sua capacità di oggettivare le proprie parole nella scrittura di una sceneggiatura e poi nelle immagini del film, riesce a tirarlo fuori dalla trappola in cui sarebbe potuto rimanere. Il suo potere è nell'inventare-illudere-mentire personaggi che siano i suoi alter ego (il gemello è il massimo che può concepire) in modo tale da riuscire ad avere una visione oggettiva, complessiva della sua creazione (non solo artistica ma anche e soprattutto cognitiva, psichica, etc...).

Pellicola originalissima per i suddetti motivi ma anche perchè mette furbamente in scena, in una storia apparentemente vuota, il messaggio più semplice possibile, quello di saper amare se stessi (nel senso più universale possibile).

Boiling Point

2005-07-24T20:39:00.000+02:00

Ciò che mi fa ricordare questo film è il finale che circolarmente restituisce le prime immagini della sequenza iniziale. Un percorso che si ripete? Che fine ha fatto il protagonista nella scena finale? Non vedo come possa esserci una parvenza di maturazione in questo personaggio se non una riproposizione ironica dell'intenzione di rispettare il detto "non disturbar il can che dorme".

Il protagonista è un ragazzetto che assiste pigramente a una partita di baseball senza volervi partecipare; ha un lavoro in una modesta pompa di benzina ma non si sforza di fare il proprio dovere. Quando un boss della yakuza inizia a spiengerlo per non aver pulito bene la sua auto, Misaki, il ragazzo, si oppone scatenando la sua rabbia e mettendo in difficoltà la stazione di servizio per cui lavora. Deciso a farsi giustizia personale, cerca qualcuno che gli venda delle armi per poi ucciderlo. Le armi gli verranno procurate da uno yakuza (Kitano) particolarmente bizzarro e violento: un personaggio che può da solo rappresentare tutta l'assurda violenza di un comportamento che vuole dimostrare la sua esistenza. Fa scopare sua moglie al suo amico per poi accusare lui e la moglie di tradimento: al primo gli taglierà un dito, la seconda verrà schiaffeggiata continuamente. Tutta la storia e i personaggi sono all'apice dell'insensatezza; è molto probabile che non esisterebbero se qualcuno non li avesse mossi-disturbati dalla loro naturale e universale quiete. La buffoneria, l'ironia, il gioco sessuale e la prova di coraggio e lealtà sono tutti elementi che vengono rimpastati per sorprendere lo spettatore a cui non resta che sorridere per quello che sta vedendo.

Nel film prende corpo anche l'onnipresente critica di Kitano alla società della yakuza. I suoi appartenenti sono ridicoli, piccoli e sempre più insignificanti: ci accorgiamo di essa solo perchè uno di loro sa ribellarsi alla saggezza infantile che rappresentano con un infantilismo più ironico anche se più autodistruttivo. Questa piccola storia di vendetta quasi corale, questo piccolo viaggio senza movimento, resta un unico grande gioco in mano al regista e lasciato temporanemente in quelle degli spettatori in modo che essi si divertano in altrettanto modo. Il cinema di Kitano si ripete essenzialmente in questo. Pur facendo un maestrale uso dell'ellissi, Boiling Point (titolo un pò lontano da quello strano originale) però non attrae se non alla seconda visione. Il ritmo di Kitano va digerito, una visione non basta, è necessaria un'altra per vedere una narrazione più veloce e meno adagiata nella parte centrale. I momenti precedenti all'incontro con lo yakuza violento, secondo me dovrebbero essere meno prolissi. Solo l'entrata in scena di Kitano ristabilisce una certa curiosità per il film. È infatti eccezionale la sequenza (la più violenta) del flash-forward, l'unica in cui ci sbatte in faccia il sesso e la sua morte senza che ce ne rendessimo conto.

(fine. almeno per il momento)

Scotty, ceneri nello spazio

2005-07-21T14:37:00.000+02:00

Scotty, ultimo teletrasporto.
Dopo Bones-McCoy è morto anche l'ingegnere della mitica prima Enterprise.
In un episodio di The Next Generation veniva ritrovato miracolosamente dall'ingegnere LaForge in uno stato di ibernazione all'interno del fascio di teletrasporto di una nave... troppo lungo da spiegare. La realtà soppianta l'immaginazione e nessuna tecnologia in grado di preservarcelo per i prossimi due-tre secoli :) Con lui se ne va una parte di quell'equipaggio il cui senso dell'avventura e dell'esplorazione non è stato superato nemmeno da Picard & Co.

La felicità non costa niente

2005-07-19T17:04:00.000+02:00

Argomento ozioso la felicità? No, semmai scomodo e a rischio di retorica; parlarne è come rompere un tabù non solo cinematografico e Mimmo Calopresti ha saputo dimostrare che lo si può fare senza scadere nella banalità e nella leziosità.

Egli interpreta un brillante architetto con una buona famiglia e una buona situazione economica che a seguito di un incidente inizia ad aprire gli occhi su quello che rappresenta il suo modo di vivere, le sue amicizie e gli affetti. Depressione, alcol e una fugace relazione extraconiugale lo portano a distaccarsi da sè quel giusto per poter scoprire con grande sorpresa che la felicità è nel tempo che può dedicare a suo figlio.
La semplicità della storia viene riempita da uno sguardo schietto e diretto, con una narrazione sicura e chiara: tutto il film è una voce, anzi la ricerca della propria voce interiore. Sussurra, urla e scaglia parole contro gli affetti, la religione, l'ipocrisia e il cinismo dei rapporti umani, per farci sbattere contro il vero senso della felicità. Quello di Calopresti è un cammino in una Roma fatta di monumenti, strade, spazi dove aiutare gli ultimi, in un provvisorio buio che accoglie e fa (re)incontrare persone che non possono restare sole troppo a lungo. La determinazione del protagonista nello scontrasi con se stesso (in uno slancio autodistruggente) e col resto del mondo, è una micro-rivoluzione che ha nel suo profondo il senso di colpa per aver causato indirettamente la morte di un suo operaio. Interpretato da un bravo Peppe Servillo (che firma insieme agli Avion Travel un'azzeccata colonna sonora.. la canzone nei titoli di coda non è affatto male), l'operaio diventa un fantasma con cui instaura un dialogo di filosofia e psicologia spiccia, dando così spessore ad un altro dei temi correlati a quello della felicità: l'opposizione tra ceto benestante e operaio.

In conclusione "La felicità non costa niente" è un film che si fa apprezzare perchè sa rappresentare uno stato d'animo inafferrabile, sa farci scoprire senza invadenza e con coraggio e determinazione la ricerca esistenziale di quei momenti sommersi da troppa superficialità. E non è poco.

Certi bambini

2005-07-18T16:19:00.000+02:00

Uno sparo e il morto, gli undici anni d'età e tutte le periferie del Sud che fanno da sfondo. Nessuna denuncia sociale, solo la storia del viaggio di iniziazione alla criminalità di un qualsiasi ragazzino cresciuto in una delle periferie del Sud. In questo ed altri modi, i due registi-fratelli Fazzi, e prima di loro lo scrittore Diego De Silva che ha fornito il testo di cui il film è un adattamento, danno un senso universale alla maturazione sconcertante di quei bambini sui quali pesa una condizione esistenziale insostenibile, appartenente al mondo della sopravvivenza quotidiana.
Tutto il film è il viaggio in metropolitana dell'undicenne Rosario che dovrà compiere la sua prima uccisione; prima della fatidica fermata della metro, i suoi pensieri torneranno a vari momenti del passato: quando si curava della nonna, quando si occupava del volontariato, quando giocava rischiosamente con gli amici e mentiva loro sull'ingravidanza di una ragazza più grande di lui. Sigaretta tra le labbra e obbedienza a quegli adulti di cui non dovrà avere più paura, sono i segni e i passi dell'irreversibilità di una maturazione che andrebbe salvata; ma la storia non da spazio a sogni o a strade diversamente percorribili. La speranza si piega e si spezza nelle frasi menzognere, negli occhi fissi in quelli della vittima per farle più paura, nella prostituzione di una bambina...
La peculiarità del film sta nel saper far lampeggiare i flash-back tra i pensieri del ragazzino, rendendo così la narrazione più interessante; ma forse è soprattutto la non localizzazione della vicenda che rende il film più memorabile e aperto, e sopratutto più universale. La città di Napoli non viene mai nominata nè fatta vedere esplicitamente (l'immondizia, il traffico, il caos non si vedono), nonostante il dialetto sulla bocca dei personaggi sia proprio quello partenopeo (qui abbastanza italianizzato). Alcuni buoni momenti (la prova di coraggio sulla tangenziale, gli insegnamenti del camorrista, etc..) e alcune buone interpretazioni (la ragazza soprattutto, ma le faccie di tutti bambini sono troppo pulite...); decisivo è il montaggio, ma la regia abbastanza altalenante. Unica pecca davvero visibile è la fotografia: lo studio della luce perfetta per ogni inquadratura alla lunga diventa insostenibile, aggredisce tutto il resto. Un pò di sporcizia tecnica non avrebbe fatto male ai controluce e ai colori anche troppo accesi.

Appoggio a piene mani dello Stato per la realizzazione della pellicola, destinazione per il pubblico più ampio possibile... però mi rimane un senso di inefficienza: un film del genere perchè non va in fondo alla radice del malessere sociale, perchè non prova a fare anche della denuncia più ruvida?
Giudizio positivo, ma voglio vedere anche una storia più sporca e mirata.

trailer

2005-07-14T22:46:00.000+02:00

Impazzisco per i trailer. Se entro in ritardo in sala e me li perdo va a finire che mi gioco il film. Le sale stanno chiudendo e in quelle misere dei multiplex ancora aperte proiettano film già visti, non mi resta che cercarmi la dose su apple.com/trailer o spacci affini...

Qualche perla che attendo di vedere nella prossima stagione la puntineggio qui (puntineggio?).

La sottile linea rossa è ormai tra i capolavori. Il nuovo-molto- atteso film di Terrence Malick è The New World, che si ispira al racconto di Pocahontas e ha come interprete principale Colin Farrell. Si vedrà. Il trailer non ci mostra molto del film e forse è buon segno. Sul sito si può addirittura leggere un blog aggiornato e vedere 2-3 video, se non scaricare un file podcast.

Ancora nessun trailer per Southland Tales di Richard Kelly. È però on line il sito che farà da supporto per le innumerevoli spiegazioni che non verranno date nel film, un'altra furbata tipo libello della Sparrow... Da scaricare solo l'enigmatica musica di sottofondo.

Senza tanti giri di parole, A Scanner Darkly è da attesa spaspodica. Lo è sempre stato, da dickiano dipendente..
E l'immagine è d'obbligo.

Ci infilo anche un documentario La marcia dell'imperatore costruito come un film, nel senso che il regista francese Luc Jacquet ha ripreso l'emigrazione di centinaia di pinguini in modo tale che ne ricavasse una storia d'amore/amicizia. Tutto questo per non badare alle spese del digitale. Dal trailer sembra esserne venuto fuori un ottimo film per i paesaggi, ma un pò ridicolo (sperso di sbagliarmi) per le situazioni tra i pinguini create dal montaggio.
Piccola nota: la voce è di Morgan Freeman, ormai viene pagato solo per le corde vocali.

Sympathy for Mr Vengeance

2005-07-11T12:02:00.000+02:00

Una vecchia vhs registrata da Raisat CinemaWorld: le immagini non sono molto limpide e forse anche il doppiaggio italiano va a danneggiare il tutto (per due parole che gli attori pronunciano... non so). È uscito il dvd da poco, ma quella cassetta era lì a prender polvere e finalmente ho avuto tempo per vederla con calma.

Da questo film non mi aspettavo nient'altro che la conferma dello stile di un regista da tenere d'occhio. Old Boy mi ha piacevolmente sorpreso, ma questo primo capitolo sulla vendetta coreana mi lascia con un certo amaro in bocca. Prima di tutto non possiede il ritmo del secondo capitolo. La lentezza delle immagini non è estenuante, non annoia come avrebbe potuto, costruisce invece una (sur)realtà arida di umanità e compassione, la comprensione della natura umana passa per qualcosa di viscerale. Non mi sembra che nei personaggi di Park si perda o si ottenga qualcosa: lui come Kim Ki-Duk sembra che stia lì a squamare un pesce (o qualsiasi altro animale) per poi rigettarlo nel mare. Si prende, si toglie e si restituisce. L'immagine presa di sana pianta da The Isle dell'altro coreano, credo sia essenziale per capire che tipo di cinematografia si ha di fronte vedendo questo e altri film dello stesso ceppo. Che poi ci siano delle differenze tra i due registi è ovvio, ma non mi va di dire a pensare nient'altro adesso.
Questo "Sympathy for Mr Vengeance" è davvero scarno. Ciò che credo sia un difetto è proprio la lentezza: avrei preferito un ritmo un pò più rapido, nulla di più. La prima parte (gradualmente fino alla morte della bambina) è quella più ricca di idee e di ironia: nella scena della pianificazione del rapimento, in quella tragicomica del suicidio di un dipendente della fabbrica, e quella magistrale della morte della sorella. Quest'ultima sequenza è senza dubbio la migliore del film. Il protagonista sordomuto e la bambina creano un'atmosfera allegra fino a quando quest'ultima non gli passa un bigliettino scritto dalla sorella: in un attimo il suono off dell'acqua che scorre diventa subito inquietante. L'urlo sordo dela protagonista è qualcosa di allucinante. Da aggiungere a questa anche la scena successiva del seppellimento: il gesto del disabile ha molto di realmente cinico e ironico. Anche questa è magistrale. (incredibile anche il modo in cui il regista fa salire le scale al protagonista quando va a vendere il proprio rene).
Tutta la seconda parte rallenta ancora di più. Torture su torture, vendetta atroce e cane-mangia-cane. Delineato benissimo il protagonista sordomuto nella prima parte, qui si lascia il posto al padre, e su questa figura ci sarebbe da aprire tutto un capitolo su come agisce la vendetta.

Essa agisce nella forma della mutilazione: non si presta, non si vende, non si distrugge niente, ma si mette in scena un meccanismo tendenzialmente infinito in cui qualcuno toglie e prende dall'altro qualcosa.
Il protagonista più che sordomuto, è mutilato nella voce, gli è stata tolta probabilmente dal regista, dal mondo reale ancor prima che la storia inizi, forse dallo spettatore che gode (il concetto di "simpatia" qui si carica di molti più significati di quanti se ne conoscano) nel vederlo senza possibilità alcuna. È cmq certo che il film mette in moto uno scarno meccanismo di asportazione infinita: il mutilato cerca di aiutare la sorella ma viene ancor più privato del suo corpo con l'asportazione del rene; il destino gli toglierà l'unico affetto (il suicidio della sorella, la morte più pesante del film); la bambina morirà a causa dell' ormai impossibile legame tra lui e il mondo (esso lo divora costruendo attorno a lui ancora più silenzio); in ultimo viene cannibalizzato dal padre della bambina che non prova alcuna simpatia positiva verso il ragazzo annullando anche se stesso; il gioco di matrioske non è concluso finchè lo stesso padre non viene ucciso dai terroristi, vero e proprio deus ex machina (non forzato) per far concludere la storia.
Non c'è soluzione/giudizio positivo. E infatti sin dall'inizio la storia dei due fratelli come quella dei due amanti e quella del padre e della figlia alle quali è collegata, pare già decisa. La voce della giornalista racconta la loro storia, e il fatto stesso di essere già raccontata e diffusa la rende condannata ad un vicolo cieco (su questa voce iniziale ci sarebbe molto da dire).

La vendetta #1 si presenta inflessibile nella dose surrealistica di tagli, mutilazioni e asportazioni, ma si presenta anche in modo lento e tutt'altro che fredda (come invece vorrebbe essere servita in occidente). Il concetto di vendetta del titolo si carica di significati e valori che gli danno sfaccettature tutt'altro che banali. Di certo non possiamo considerarlo un sentimento nell'accezione positiva; è invece negativo perchè proviene da persone che non manifestano altre caratteristiche umane prevalenti. Nel film c'è un pessimismo penetrante: gli uomini vorrebbero perdonare, ma non possono/non ci riescono. E allora qual è la soluzione? L'unica è quella di compatirsi (un passo in avanti rispetto al simpatizzare), lasciando che gli uomini trovino il loro debole percorso di vita. Ma nei confronti dello spettatore il regista come si pone? Il film non punta che a far simpatizzare lo spettatore alla vicenda dei fratelli e poi a quella del padre. Ma se la parola "simpatia" nel significato latino significa comunanza di stati d’animo con quelli provati da altri, allora non credo di aver provato simpatia per questi fratelli. È lo scopo del regista presentarmi una storia per cui devo condividere le motivazioni: le capisco, ma non le sento. Lui prova a farmi sentire i motivi della vendetta e della vendita disperata di organi dandomi un pugno nell'occhio con le torture, mi sconvolge ma non mi cattura. In Corea si usa fare così, io non riesco a condividere.

In sintesi, mai come questa volta è azzeccata la frase "lo vedo, ma non lo sento".

Audition

2005-07-10T13:30:00.000+02:00

Il più famoso dei Miike ancora non l'avevo visto. Sono passato per l'episodio di "Three... Extremes", qualche scena di "Ichi The Killer" e solo quella d'apertura di "Visitor Q", ma il ben più popolare Audition dovevo ancora toccarlo. Raisat CinemaWorld ogni tanto riesce a passarlo, soprattutto a notte fonda, ma non sono mai riuscito a superare metà del film perchè non mi sembrava proporre nulla di nuovo, e cmq era sempre il momento sbagliato per vederlo.

Cmq, giudizio incredibilmente positivo. Il regista ci passa un messaggio tanto semplice quanto vero (lasciarsi alle spalle il passato e accettare il presente è doloroso, ma è necessario e vitale per poter raggiungere la felicità), ma lo fa con i mezzi dell'horror più sottile ma anche più spietato ed esplicito: torture e amputazioni. Gran film. La prima parte è un salto nel vuoto, tutto è convenzionale e ci si chiede dove sia la novità. Ed è appunto questa apparente convenzionalità che lentamente prepara la tensione: campi lunghi e voci in primo piano sonoro, la ragazza mostrata sempre di spalle, alcuni inserti di lei da sola nella sua stanza/casa con un telefono davanti. Poi il corto circuito. La notte d'amore è tutta tagliata, anzi è un'incredibile sequenza tra l'incubo e la realtà, tra il passato da vendicare e il presente cruento e femminile. L'uomo che crede di poter scegliere l'amante attaverso un furbo e voyeristico provino, viene punito con aghi sotto agli occhi e amputazini degli arti. Pazzesco. Il film può apparire lento, ma è sapiente nello svolgere e misurare la tensione; accontenta i palati fini e spiazza chi crede di aver visto già tutto con i film occidentali (che so... Il silenzio degli innocenti o Seven). Davvero niente male anche l'uso della musica, anzi direi ottima. Ci sarebbe molto altro da dire, come ben sanno diversi cinebloggers con entrambi i piedi nel cinema orientale.

Non so quante volte avrò sentito la solita frase pronunciata con forza e acidità dalle donne: gli uomini sono tutti uguali. Bè, inutile dire che da adesso potrebbe inquietarmi non poco :-O

Spielberg e la sua Guerra

2005-07-09T16:14:00.000+02:00

A cinque giorni dalla visione de La Guerra dei Mondi, dopo varie discussioni sul web e dal vivo ma anche sul cellulare, ho quasi perso di vista il film. Capita quando lo si smembra a tal punto da lasciarselo sfuggire e non riconoscerlo più per quello che è nel suo complesso.

L'attesa per il film è stata spasmodica per poche persone, mentre la maggior parte si aspettava il "solito" film dal divertimento assicurato, ma condito in modo diverso e soddisfacente da Spielberg. Delusi proprio per non aver trovato tutto ciò.

Per me in questo film c'è una buona fetta del miglior Spielberg degli ultimi anni. Vedo che si è sforzato, con risultati positivi, nel raccontare una storia (apparentemente pessimistica) con alieni, genocidio e apocalisse che una volta tanto non ci vengono mostratiperchè parte intenzionalmente non inquadrata del film. La macchina da presa è fissa sulla famiglia: tutto il turbinio circostante di morte e disperazione fa da sfondo, perchè il discorso non è sulla sopravvivenza del pianeta, ma su quella del nucleo familiare in una situazione di minaccia non localizzabile. Questo è quello che io ho visto. Molti però si fanno domande sugli alieni, su quanto sia banale che siano stati sconfitti dai batteri... Non mi pare che il film voglia spiegare il come dell'attacco... Sulla scena finale (riunione della famiglia) c'è stata cmq unanimità nel ritenerla la peggiore sia di questo film, che degli ultimi dello stesso Spielberg (certamente più brutta dei tre finali, per me sopportabili, di A.I.).

Durante la visione mi chiedevo se avrei avuto voglia di rivederlo: risposta negativa.
Molto bello per alcune scene (tutta la parte iniziale, il piano sequenza circolare in macchina e l'assalto della folla: le stavo applaudendo), per un buon Tom Cruise (diverso, più bravo), per il sonoro potente, efficace e coinvolgente, per nulla roboante (visione consigliatissima nella miglior sala della città), per Spielberg che in fin dei conti con la macchina da presa ci sa fare, e se gli capita di sgarrare per alcune cose, possiamo chiudere un occhio... anche se non troppo. Bè, nonostatante questo non mi andrebbe di rivederlo, perchè ciò che resta è un discorso sull'uomo affrontato non con la dovuta attenzione.

Alla fin fine credo che Spielberg, per la fama e la bravura che lo circonda, debba saper proporre film più soddisfacenti: se vuole creare una storia sulla paura globale, la sopravvivenza, lo smarrimento post-moderno con un'attenzione alle minoranze etniche, sulla fuga e la truffa globale dei potenti, deve saper accantonare, per quel poco, la sua innata tendenza buonista e realizzare qualcosa di più incisivo. Preferirei vedere uno Spielberg più coraggioso nell'esprimere la propria opinione, più che fare la parte di chi sa solo avvertire il mondo dei pericoli da cui è minacciato.
Minority Report ci vuole far aprire gli occhi sul pericolo di intromissione dei governi e delle economie nelle nostre esistenze negandoci l'identità: ottimo film, più calibrato e convincete de La Guerra dei Mondi. Ma allora perchè non prosegue su quella strada, invece di proporre storie negli aereoporti o cmq in giro per il mondo (in cerca di qualcosa, di un padre...) che sono pur sempre buone ma che non sfondano come dovrebbero?

Scandalo Internazionale

2005-07-04T16:53:00.000+02:00

A due anni dalla fine della Seconda Guerra Mondiale, Billy Wilder tira fuori questa esplosiva satira sul presidio degli Stati Uniti sul suolo berlinese, utilizzando le dinamiche della commedia brillante e seducendo lo spettatore con le esibizioni indimenticabili di Marlene Dietrich.

Come riesce un tale regista a passeggiare sulle rovine fresche di bombardamenti di Berlino, con una storia d'amore tra un capitano dell'esercito e due donne? L'una era la cantante e amante di gerarchi nazisti, l'altra la piccola e detestabile onorevole moralista americana che appunta sul suo libretto tutti gli scandalosi incontri degli ufficiali statunitensi con le tedesche. Il film si muove grazie a questo personaggio interpretato da Jean Arthur: una prima parte la vede severa e scandalizzata di fronte al degrado morale degli ufficiali, poi piegata dal capitano John Pringle (John Lund) al romanticismo puro ma pieno di equivoci, infine scopre e comprende la reale situazione politica dietro il rapporto tra il capitano e la cantante Erika von Schlütow (Marlene Dietrich).
Billy Wilder con "A Foreign Affair" conduce senza affanni la riflessione sulla vittoria (e il suo prezzo) del secondo conflitto, ma ciò che riesce a colpire di più sono la grande interpretazione della Dietrich (passionale ed intensa, pretende e domina l'attenzione di tutti) e alcune scene eccellenti: quella della seduzione nella stanza degli archivi (la donna che scappa dal bacio dell'uomo per poi cadere tra le sue braccia), tutta la prima parte e il climax finale nel locale.

Sempre a Berlino ma durante la Guerra Fredda, Billy Wilder ha realizzato un'altra delle sue satire corrosive, questa volta sulle ideologie con "Uno, due e tre!"

Il siero della vanità

2005-07-03T23:49:00.000+02:00

Dopo aver visto questo secondo film di Alex Infascelli resto nel dubbio se dargli ancora speranza nel diventare uno dei pochi registi di film di genere, o ritenerlo un autore già alla sua deriva.
L' intenzione di fare una satira sulla tv utilizzando la marca del grottesco abbinata ad una narrazione da thrilling (come per Almost Blue), non è da buttare, ma nel dare forma a questo soggetto di Ammaniti, Infascelli non dona fluidità alla narrazione, crea dei crepacci incredibili tra una sequenza e l'altra. Forse nemmeno tutte gli interessano e si concentra di più su quelle intense, che su altre di sviluppo: l'inizio è molto buono e quasi sullo stesso livello è la sequenza finale della fuga e dello show televisivo. Queste voragini però non riescono affatto a convincere, non creano il thrilling, sconnettono troppo i personaggi: traballa nella pretesa di fare di un videoclip un film, ma Infascelli non è Guy Ritchie.

Nonostante questo grosso difetto, c'è la volontà (che è forse anche presunzione) di realizzare un prodotto diverso, finalmente di genere, che rompa con le solite storie di poliziotti da fiction tv, immergendo gli stessi garanti dell'ordine nello stesso squallido ambiente della tv. Da questo punto di vista il film vuole essere un pugno nell'occhio della tv, anche se non riesce ad andare oltre la sua rappresentazine grottesca, quella dei meccanismi di protagonismo, di vanità, di esaltazione di una personalità che non esiste se non nell'ambito di un gioco delle parti che porta alla morte dei suoi partecipanti (che diventano dunque illustri vittime). Il Sonia Norton Show è solo una versione un tantino esasperata del Maurizio Costanzo Show e di Porta a Porta, che dal canto loro possono fare anche di peggio con i loro sorrisini e la loro volgare ostentazione del potere mediatico.
Il film però si spezza e stropiccia i suoi attori. Molto brava resta Margherita Buy, come anche la Bobulova che ricorda la Melora Walters di Magnolia, e una a dir poco cinica Francesca Neri. Una pellicola con un cast all star, sorretta anche da una stimolante colonna sonora di Morgan che sa davvero tenere la tensione più delle immagini. Insopportabile e ossessiva all'eccesso è invece la canzone di Mina, come anche l'uso del suono: il tecnico deve essere un incompetente se non riesce a farmi sentire i dialoghi.

Alex Infascelli aveva già dimostrato certe "potenzialità" con il cinema di genere in Almost Blue (meglio riuscito, ma sempre con diversi difetti): ma se si buttasse nel remake di un modesto thriller americano?

Africa

2005-07-02T19:39:00.000+02:00

Molto più importante del cinema, molto più divertente di un casino di film.

Live 8

MakePovertyHistory

Sin City

2005-06-28T23:31:00.000+02:00

Avrei voluto scrivere questo blog come se fosse uno dei monologhi del film, sarebbe l'ideale, ma non ho mai letto un fumetto di Miller e quel linguaggio non sono riuscito a stamparmelo nella mente. Ecco, parto da questo punto: il film va rivisto. Ed è già un buon segno perchè Batman Begins non mi da questa esigenza.
La prima domanda che che mi viene in mente è sulla paternità di Sin City: ma alla fine è più di Miller o di Rodriguez? Vogliamo metterci anche Tarantino? E ce lo metto. Non mi piace partire dai difetti, soprattutto se il film non merita di essere distrutto, però questa a dir poco originale pellicola non può che avere come unico padre: Frank Miller. E qui andrebbe spulciato tutto il web sia per ringraziarlo che per capire meglio che tipo di disegnatore sia. Peccato allora, perchè Rodriguez avrebbe potuto dare a questi personaggi uno spessore cinematografico leggermente maggiore. Già mi sto annoiando, meglio passare a ciò che mi è piaciuto. Le ragazze, le donne, insomma le puttane del film. Rosario Dawson con quell'espressione del volto e svestita in quel modo merita un film tutto suo; Brittany Murphy e Jessica Alba sono quasi identiche, interscambiabili se non fosse che sono vicino a due diversi attori. Marv (Mickey Rourke) sfonda, anzi spacca, il miglior personaggio, la miglior interpretazione maschile. Dwight (Clive Owen) è invece il più fiacco, sorretto solo dalla gno... della Gail (Dawson). È convincente addirittura il personaggio di Elijah Wood! Michel Madsen basta vederlo per iniziare a ridere, e Bruce Willis? Come scrivevo prima, i personaggi sfondano, ma non abbastanza per poter vivere oltre lo schermo. La trovata geniale resta cmq quella della testa di Jackie Boy, uno spasso vederla sballottata e forata ovunque. E il sangue bianco? Pazzesco! Dei dialoghi porto a casa diverse frasi ben impostate, da mettere come firma, sono soprattutto quelle nei primi due episodi. Per entrare nel film mi ci è voluto un pò di tempo: l'episodio di Marv e Goldie è stato quello che ha permesso al veleno di fare effetto (il film come veleno... ci può stare).
Sin City è un film che ha una sua attrazione ma non mi sento di dire che è un cult, nè un gran capolavoro; è probabile che Rodriguez (che riesco ad apprezzare solo in Spy Kids) abbia voluto fare il suo Pulp Fiction, ma quando Tarantino avrà il coraggio di fargli capire che non è cosa sarà troppo tardi. Se il suo destino è quello di confezionare trilogie, che faccia pure, l'importante è che si impegni almeno con questa.

I personaggi meritano un film tutto loro, senza dubbio.

Batman Begins

2005-06-28T10:10:00.000+02:00

Tempi oscuri per il cinema americano. Per la seconda volta in poco più di un mese ci ri-confrontiamo con due miti della parte buia dell'animo umano: quello di Darth Vader che volge al male puro e quello di Batman che scende nella caverna dei suoi traumi infantili. Però è anche tempo di paure: il prossimo La guerra dei mondi si annuncia già come l'ottima riflessione di Spielberg sul panico globale post-11 settembre. In attesa, non si può non vedere questo film di Christopher Nolan che potremmo considerarlo a metà strada tra i due.
La paura ancestrale-archetipica è alla base di questo buon Batman Begins che non ci concede le solite scene d'azione, nessuna grande esplosione nè grandi atti eroici, ma uno sguardo diverso ad un personaggio già conosciuto grazie alla maestria e visionarietà di Tim Burton. Questa e quella di Burton sono opere diverse per ovvi motivi: questo numero zero, dal canto suo, ci porta alle radici dell' eroe, senza scavare molto, senza creare dei grandi antagonisti che non siano quelli creati dalla stessa paura del protagonista. Il conflitto interiore si gioca tutto sulla definizione di valori come giustizia e compassione: soprattutto su quest'ultimo il film calca di più. Ciò che differenzia Bruce Wayne dal suo maestro Ducard (Neeson) è infatti il senso di pietà e di giustizia che non coincide con quello di vendetta. La paura personale di Bruce Wayne, scaturita dai due traumi infantili, si espande da subito divenendo paura collettiva. Ed è su questo piano che si articola la decisione del miliardario di rinunciare alla sua identità per diventare il simbolo di quella archetipica. Bene ha fatto Nolan nel rendere tutto nel film molto chiaro, proprio come conviene ad un prequel: una volta tanto niente è lasciato senza spiegazione. I dialoghi nella prima parte riescono ad esplicitare la filosofia ninja già misteriosa e settaria di suo; altri nel corso del film ripetono parole come "teatralità", "simbolo", "archetipo" e "paura", tanto da far divenire il film una riflessione sul potere simbolico di una maschera, su quello di un eroe. Il fascino di Batman, che questo film sottolinea, è quello di un ricco filantropo che sa porsi dalla parte degli indifesi: si fa carico del senso di giustizia calandosi nell'incubo metropolitano e divenendo egli stesso una sua creatura salvifica, la fenice dell'inconscio collettivo.

Ritornando al film, pur essendo molto cupo e schierando ben tre antagonisti (Ducard, lo Spaventapasseri e il boss mafioso), non riesce però a creare picchi di intensità drammatica: tutto sembra stendersi sullo stesso ritmo, non c'è tensione ma solo la curiosità di sapere come si concluderà. Mi resta da capire se le scene d'azione siano mal riuscite o lo stesso Nolan ha voluto renderle incomprensibili per dare miglior spazio alla nascita del simbolo/eroe. Un difetto lampante è la mancanza di una vera storia d'amore. Katie Holmes è nel ruolo che le spetta, ma il suo personaggio, Rachel Dawes, non dimostra il grande amore per Bruce Wayne, a stento riescono a stare insieme per qualche minuto. Christian Bale continua ad essere molto bravo, nonostante abbia recitato con una sola espressione. Ci sarebbe da notare che questo stesso attore ha già interpretato il figlio di una ricca famiglia: come quel protagonista anche il piccolo Bruce dovrà crescere senza genitori (con modalità e tempi diversi, ovviamente).
Un difetto di cui potremmo nemmeno farci caso se non avessi come confronto la pellicola di Burton, è la colonna sonora: una piattezza incredibile, anzi roboante. Davvero tutt'altra cosa l'energia della musica di Danny Elfman, sempre grande.

Nel complesso Batman Begins sembra più lungo di quanto non sia, difetto da imputare all'assenza di drammaticità, ma è cmq godibile e un buon prequel. Adesso spero solo che Nolan si dedichi ad idee più originali.

(da ritoccare)

La ragazza con l'orecchino di perla

2005-06-24T23:07:00.000+02:00

Molti film sulla pittura sono grandi agiografie più o meno riuscite sull'artista, le sue difficoltà economiche, le sofferenze esistenziali, la rappresentazione dell'atto creativo, il genio dietro ogni opera, la fama e la morte. Peter Webber con "La ragazza con l'orecchino di perla" lascia fuori una volta tanto questi sviluppi, decidendo di portarci all'interno del dipinto.
Letteralmente inquadrati, sia lo spettatore che i personaggi danno e subiscono il movimento della composizione che sempre più esige di essere seguita nel suo segreto. La ragazza del titolo/quadro è fin dall'inizio pedinata da un fascio di luce che le illumina il capo, il volto e gli occhi, cercando e trovando un affanno claustrofobico che risiede nella compostezza e nell'obbedienza. Il film scova, fa emergere ma non dà soluzione alla sofferenza racchiusa in un dipinto. La stessa sofferenza di cui la ragazza è il punto di applicazione e il committente colui che la esercita attraverso la suocera, il pittore e la moglie: tutti penetrati dall'arte come l'ago penetra il lobo della ragazza. Ogni ruolo è una funzione dell'arte, espressione tangibile e libidinosa dell'animo umano.
Il film, in quanto quadro in movimento, ci permette di toccare il tratto di Vermeer al prezzo di far solo sfiorare i suoi personaggi col tatto e le poche parole. E a ben vedere è proprio il tatto il senso più sviluppato dai due uomini sulla ragazza. La metafora sessuale, così, è al centro di gran parte della storia: lo stupro è la sua forma più evidente. Il buco nell'orecchio necessario per ricavare l'ombra dell'orecchino di perla sul collo è il prezzo che qualcuno deve pagare per soddisfare il piacere della ricchezza. Metafora sessuale esplicita anche quando Vermeer chiede alla ragazza Griet di inumidire le labbra, di togliersi il copricapo bianco per osservare meglio il volto pallido, facendole così scoprire la parte del corpo più intima, i capelli.

Fotografia, nemmeno a dirlo, sopraffina, interpretazioni molto convincenti. La scenografia è davvero l'elemento che sorprende di più perchè nella necessità di far parte dell'intento pittorico del film, non scade nel ruolo di semplice sfondo. Anche solo per questo motivo il film meriterebbe di essere ricordato come metro di riferimento per tutti i film in costume.

In verità il film mi fa pensare anche alla donna come modello della rappresentazione e soprattutto al modo in cui assolve oggi a questo compito: dalla moda alle foto dei calendari. Differenze abissali :-|

Velluto Blu

2005-06-12T23:59:00.000+02:00

Si apre e si chiude con l'abbraccio perverso e inquietante tra i due elementi del reale, del sogno-incubo: la luce e il buio. Uno steccato luminoso, fiori gialli e la vita serena delle persone che innaffiano il loro giardino, si poggiano e si ergono su un mondo oscuro e impenetrabile alla vista, accecata e allucinata da una luce violenta e inquietante. Allo stesso modo nel finale, il pettirosso stringe nel suo becco gli insetti neri di cui si nutre: qualcosa di torbido, un'immagine simbolo di tutta la poetica di Lynch. Ciò che c'è in mezzo a queste due parentesi ha un sapore indefinibile di depravato e squallido.

I sensi costruiscono e definiscono il reale, ma il reale non si lascia definire in categorie nette di bene-male, ma in infiniti contrasti, anzi in sfumature tendenti sempre di più al buio. È incredibile come questa grandiosa pellicola di Lynch sia così profondamente e pesantemente scura da essere impenetrabile a qualsiasi sguardo, se non quello ingenuo del protagonista che conserva una assurda lucidità di fronte a spettacoli malati in cui si fa ingoiare e poi sputare.
Su questo film c'è da parlare per ore. Basterebbe solo pensare a come Lynch riesce a creare in esso lo stesso buio di una sala cinematografica, come annulla i confini con lo schermo. Esso diviene una nebbia nera che si dirada lentamente, avvolgendoci senza che ce ne accorgiamo. Ma basta pensare al posto che occupano in primo piano quasi tutti i cinque sensi che si scambiano le funzioni, che si occultano e si lasciano scoprire...

La prima impressione alla visione di ogni film di Lynch è quella di uno squallore morboso che opprime, anzi divampa; in Velluto Blu il punto di rottura, o meglio il punto di non ritorno (esattamente un orizzonte degli eventi che si estende a tutto il "reale") è nella scena dello stupro di Dorothy (Rossellini): visione insopportabile all'ennesima potenza, fino a quando non risucchia la nostra (ingenua e innocente) curiosità, rendendoci avidi e altrettanto perversi.

Senza parole.

Una pura formalità

2005-06-07T19:58:00.000+02:00

Sottovalutato o solo perso-dimenticato-non recuperato, Una pura formalità di Giuseppe Tornatore merita molta più fama di quanta non ne abbia. Il film uscì nelle sale nell'anno tarantiniano 1994 lasciando gli spettatori poco convinti di quello che avevano visto: un plot che rimanda al thriller ma che lentamente si apre in un film ben più unico e anomalo, fino al finale sorprendente.
La storia è quella di uno scrittore, Onoff interpretato da un ottimo Depardieu, che viene sottoposto ad un duro interrogatorio kafkiano in una isolata postazione di polizia; il commissario, suo estimatore e profondo conoscitore della sua opera, lo costringe a confessare un omicidio compiuto poco prima della sua cattura, e del quale è sicuro di non esserne la causa. La soluzione del caso arriverà solo alla fine, come di norma, ma Tornatore è maggiormente intenzionato a narrare la desolazione e la sconfitta di un personaggio che ha perso tutto e che non riesce a ricordare l'evento più significativo della sua vita, quello per cui viene interrogato.
La scenografia, in questo caso, rappresenta perfettamente la insistenza ossessiva dello stato d'animo del protagonista come anche dell' atmosfera enigmatica in cui è immerso l'interrogatorio: un commissariato decrepito e una pioggia diluviale che non smette di scendere nemmeno nelle sue stanze. Il film è una perla per la capacità di Tornatore nell'articolare una storia meditata e profonda sulla memoria e l'identità (ma anche sull'arte della letteratura che non ha autori..) senza mai uscire da una stanza di pochi metri quadrati: esso si svolge nelle classiche unità di tempo e spazio (ala Polanski prima maniera) che il regista reinventa continuamente con inquadrature sempre diverse e insolite (da dentro la macchina da scrivere o dall'acqua del gabinetto), e con un montaggio che tiene sempre in costante ed enigmatica vicinanza i due diversi volti che si incontrano e scontrano senza schiacciarsi. Entrambi i personaggi rivelano di sè quello che vogliono e possono creare e far credere nell'altro, in una dinamica che li costruisce come se l'uno fosse la tessera mancante dell'altro.

In questa pellicola si amalgamo perfettamente una sceneggiatura insolita, solida e molto interessante, una scenografia, una regia e il montaggio tutt'altro che presuntuosi, una colonna sonora firmata da Morricone che segue in modo altrettanto perfetto lo sviluppo narrativo con una partitura atonale; ma c'è tanto altro come dellle interpretazioni memorabili. Mai un Depardieu tanto pieno ed esplosivo di sè, come anche un Polanski che riesce a misurarsi/trattenersi nella perfetta rappresentazione del commissario-carceriere-aguzzino di un'esistenza.
Sicuramente dopo la visione ci si stupisce di come "Una pura formalità" anticipi di anni una storia come quella de "Il sesto senso" o "The Others", precorrendo e superando per drammaticità, atmosfera e rivelazione finale. Perciò sembra strano che nessuno abbia saputo ancora riportarlo di nuovo all'attenzione.

In sintesi si potrebbe definire "Una pura formalità" un momento che si protrae all' infinito, un meccanismo che ripete se stesso perchè inceppato, ma è anche un dubbio, un vuoto, l'eterna confessione che mira al disvelamento di se stessa. Un film metafisico.
Ma tutto forse è sintetizzabile in due parole: una grande menzogna e la grande verità.

Lost in Translation

2005-06-01T22:46:00.000+02:00

In attesa del suo prossimo film su Maria Antonietta, Sofia Coppola è ancora identificata con la sua lodatissima seconda pellicola, dal bel titolo e dalle premesse interessanti. È un film carino al punto giusto, curato e sentito ma talmente delicato da rischiare di perdersi in un rarefatto ricordo.
La giovane regista mette in scena l'incontro tra due diversi americani in un hotel di Tokyo: una ragazza lasciata sola dal marito fotografo e un attore in Giappone per uno spot, persi nel presente come anche in un futuro a cui si affidano senza troppe angosce, riusciranno ad unirsi brevemente sul sottile filo del bisogno di affetto.
La storia è la piacevole ma malinconica illusione di due giorni, in cui i protagonisti sconfiggono l'isolamento e la soffice solitudine dei sentimenti. Il bar, l'hotel, la città, il Paese sono le dimensioni invisibili e sovrapposte che non esistono più, prigioni che non hanno senso se non quello di farci percepire e riscoprire le relazioni umane.

Lost in Translation è un ottimo film perchè rende molto chiaro il senso di dispersione che caratterizza la post-modernità. L'ambiente dell'hotel non è claustrofobico, ma soffuso, ovattato, non opprime ma agisce indisturbante come uno sfondo virtuale. I due personaggi non possono che conoscere la città di Tokyo attraverso la sua stramba oggettistica e la buffa e mediocre televisione; ma solo apparentemente questa città è diversa dalle altre. Essa è solo un quartiere diverso o un nuovo appartamento dello stesso e unico villaggio globale, dunque niente di nuovo nemmeno tra le aspirazioni e i gusti della gente giapponese. La Coppola ha saputo centrare il discorso post-moderno sul non-luogo facendo emergere la purezza e la semplicità di una relazione fugace ma incisiva. La scena dell'imbarazzante discussione dei due americani sul letto è quella più rappresentativa del loro rapporto: presente e futuro incerti, entrambi non sanno che direzione far prendere alle loro azioni. Si vive il momento. L'ultima sequenza è invece quella più toccante: pochissime parole e un abbraccio tra la gente che non vuol sapere di essere freddo, vere e proprie particelle virtuali. In modo diverso, perchè più verbosa, la grande e anomala pellicola di Richard Linklater "Before Sunrise" mette in scena un simile romanticismo malinconico ma molto più deciso e rivoluzionario: stessa, o quasi, unità di tempo e di luogo, quella di Linklater fa accarezzare il rapporto intellettuale di due anime sconosciute ma aperte alla ricerca delle affinità. In questo film della Coppola, i due personaggi posseggono invece la facoltà primordiale di scoprire e lasciare un mondo: vederlo la prima e ultima volta.
Sentirsi fuori luogo, sproporzionati in un ambiente sconosciuto, inadatti a qualsiasi contatto con la realtà che fugge insieme alle certezze, Lost in Translation è una buona opera seconda su certi sentimenti quanto mai primordiali e attuali.

Al di là dell'adeguata interpretazione della Johansson e di quella più matura ed esplosiva di Murray (anche se in fin dei conti interpreta sempre se stesso...), il film si fa apprezzare ed è carino, ma a tratti pecca di una leggera esibizione di intellettualismo. Non che faccia male ad uno spettatore che desidera vedere una storia d'amore diversa dai soliti stereotipi, ma i personaggi possono risultare un pò fastidiosi rappresentando quella tipologia di persone che vivono nel lusso e manifestano cmq una certa insofferenza per la vita. Alcuni possono trovare questo aspetto più insopportabile di altri.

In ultimo, Lost in Translation è un film appartato che sa godere anche di una buona colonna sonora in sintonia con il minimalismo delle immagini: alcuni pezzi sono da possedere e ascoltare nei momenti di rilassamento mentale.

Zatoichi

2005-06-01T09:48:00.000+02:00

Quel tic di un Takeshi prima o poi avrebbe realizzato un film talmente spassoso da farci dimenticare che stiamo vedendo un film chanbara, portandoci a (sor)ridere e a muoverci sulla sedia come se stessimo vedendo tutt'altro. E infatti Zatoichi non si prende mai sul serio, illudendo lo spettatore con rovesciamenti di ruolo e personaggi assurdo-cabarettistici, col balletto finale dei zucculilli: molto ben coreografato, un'esplosione di suoni dopo tanti tagli di striscio contro la carne praticati dall'enigmatico massaggiatore. That's entertainment.
Il film è la personale e rispettosa reinterpretazione di Takeshi di un famoso (in Giappone) telefilm e dramma incentrato sulla figura del massaggiatore-ronin non vedente Zatoichi; riprende la storia, si colora i capelli con un innaturale (ma molto beat) biondo e sferra sciabolate che fanno schizzare zampilli di sangue molto CGI e molto più pulp di quello di Tarantino.
È una parodia del genere (super)eroico e del genere wuxia (la lezione di spada con i tre "allievi" è troppo divertente... molto di più di quella in Kung Pow) , ma anche una piccola ma riuscita riflessione sul fallace senso della vista: se non puoi (vuoi) vedere dovrai ascoltare meglio, ma anche se sgrani gli occhi non è detto che riuscirai a vedere tutto. In entrambi i casi l'ascolto resta il senso più affidabile, la fonte del vedere. La coreografia finale si rivela perciò una danza di suoni più che di corpi, e la spada e altre armi sono gli strumenti musicali che hanno suonato durante tutto il film.
Il femofotogramma finale è memorabile quanto la scena iniziale di Hana-Bi: straordinario Takeshi.

Kezich su "Revenge"

2005-05-21T18:49:00.000+02:00

[...] In attesa di conferme da critica e botteghino, mi sentirei di dire che questo episodio è il migliore della serie. Inizia, per la verità, con una vera e propria "battaglia del cielo", una sequenza di guerra astronautica rimbombante e frenetica, da sconsigliare ai deboli di stomaco. Se ne ricava il sospetto che tutto il film si risolverà in una ridda di esplosioni ed effetti speciali, ma per fortuna non è così. Ben presto il racconto si concentra sulla storia di un'amicizia che si trasforma in odio, quando Anakin Skywalker, un ambiguo Hayden Christensen, scivola sulla china del male e diventa l'implacabile avversario del nobile Obi-Wan Kenobi, l'altrettanto efficace Ewan McGregor. Il loro duello finale (che finale non sarà, vedi i precedenti film della serie) si svolge nell'allucinante cornice di un pianeta ribollente di lava. La sensazione è che l'intero ciclo di Star Wars non è un puro fenomeno di tecnologia applicata al cinema, ma una favola nera intinta di pessimismo sul piano individuale (l'eroe che diventa il vilain) e apocalittico. Di fronte alla civiltà supermoderna, collocata "tanto tempo fa" e ahimè scomparsa, George Lucas ci insinua un inquietante dubbio leopardiano sulle "magnifiche sorti e progressive" del mondo in cui viviamo.

da Corriere della Sera di lunedì 16 maggio 2005

Star Wars - Episode III - Revenge of the Sith

2005-05-21T02:17:00.000+02:00

Lacrime e delirio.

Mystic River

2005-05-10T00:09:00.000+02:00

E allora Jimmy, quand'è che hai visto l'ultima volta Dave?

Kingdom of Heaven

2005-05-07T22:51:00.000+02:00

Ridley Scott pare aver saputo accantonare un invadente tentativo di sfornare un troppo simil Gladiatore: in parte il film concretizza quello per cui Maximus è morto, e per un altro verso rinuncia saggiamente ad assumere una rigida opinione sugli eventi della storia, mettendo su una pellicola in più parti complementare al successo del 2001. Forse per questo motivo la più che apparente infedeltà del regista al materiale storico ha generato reazioni diffidenti nei confronti del film; Scott ha rinunciato a solide basi storiografiche per costruire una riflessione meta-storica.
Sembra un paradosso, eppure è così. È un film politico (...).
L'intenzione di Scott però è delle migliori, perchè onesta: la storia del maniscalco non fa che introdurci di soppiatto all' interno di meccanismi della Storia che si ripetono non solo da millenni, ma anche dalle generzioni più prossime.
Ma dalla sala si esce con un certo amaro in bocca per diversi motivi. Dei 145', un'ora e mezza precisi sono di una noia che non mi aspettavo. Si inizia come anche un b-movie saprebbe fare, proseguendo a rilento (a suon di convenzioni del genere e di tentativi di costruzione dei personaggi) al suo punto di svolta, quando il Re di Gerusalemme muore e lascia un vuoto contestuale che viene colmato con una più convincente progressione narrativa nell'avvicinamento dei due opposti eserciti. Nel complesso la fotografia e il dialoghi toccano il superfluo ripiegandosi in infiniti barocchismi che alla lunga danno l'impressione di essere tra i pochi elementi capaci, loro e nostro malgrado, di sostenere questo film.
Sempre della prima parte, ci sarebbe da denunciare l'incapacità della regia nelle scene di semplici duelli come in quelle di battaglia. Negli ultimi tre quarti d'ora, bene o male, qualche piccola trovata per destare interesse possiamo trovarla: se non altro il protagonista, sempre di poche parole, dimostra di essere un buon stratega, nonostante non si capisca dove abbia appreso tali conoscenze, essendo solo un maniscalco (forse le ha ereditate?). Riguardo al cast e ai relativi personaggi, mi dispiace dover notare che Orlando Bloom questa volta non è affatto riuscito a convincere: lavora di volto, come un buon e ancora poco maturo Tom Cruise. Del resto il suo personaggio viene prelevato e rimesso al suo posto, nel paese in cui vive, con tale facilità da non dare fastidio a nessuno, anzi fa tutto il possibile per contribuire alla progressione degli eventi con la sua rettitudine, e solo quando si accorge che nessuno ha gradito realmente, inizia ad essere davvero saggio.
Ritornando agli attori, Edward Norton proprio perchè irriconoscibile è sicuramente l'unico a meritare un certo giudizio positivo: peccato lo si veda solo nella parte scarsa del film. Irons meglio nel Mercante di Venezia; Eva Green sempre più bella e volendo anche bravina a ogni scena. La colonna sonora di Gregson-Williams è meglio non toccarla altrimenti rischia di nascondersi ancora di più.
Ma cosa rimane dell'aspetto politico del film (quello preponderante)? Non mi sento di distruggerlo totalmente. Ridley Scott vede nella Storia un solo piccolo (ma immenso) fattore di eterna contesa: il simbolo. Gerarchie, bandiere, luoghi di culto, territori, non sono che assurdi e illogici (per chi si professa credente) tentativi di rendere comprensibile l'Assoluto. Ma Scott realizza un film per il largo consumo e non credo che sarebbe capace di approfondire con coraggio quest'aspetto.
Nel complesso Kingdom of Heaven (peccato aver perso il titolo originale!) è un prodotto di buona fattura che vale la pena di vedere, ma solo a costo di entrare in sala a film già iniziato.

Cul de sac

2005-05-05T12:44:00.000+02:00

Terzo lungometraggio di Roman Polanski datato 1966, "Cul de sac" (curioso titolo) riprende la stessa struttura de "Il coltello nell'acqua": unità aristoteliche di spazio e tempo e tre personaggi isolati in un castello costretti dagli eventi a tirar fuori il meglio e il peggio di sè.
La pellicola è fortemente ironica, ad iniziare dalla prima sequenza. Su una lunghissima strada deserta, di cui si avverte il vento incessante (non abbandonerà mai il film), vediamo avvicinarsi lentamente una macchina con due rapinatori: un tizio col braccio fasciato spinge l'auto e un altro, ferito, non riesce a controllare il volante. Lunga strada dritta, assenza di suoni, una rigorosa e meravigliosa fotografia in bianco e nero e due tipi abbastanza loschi ma con un curioso senso dell'umorismo, colpiscono subito. L'uomo col braccio fasciato cerca un telefono da qualche parte seguendo i pali della luce, troverà un castello e due buffi coniugi che riuscirà a piegare alle sue volontà senza grandi sforzi. Dimenticavo: il castello e i tre personaggi (il tipo in macchina morirà) resteranno isolati dall'alta marea che circonda la piccola collina.
Cul de sac (= vicolo cieco) è una storia dai tempi dilatati realisticamente assurda, folle quasi allucinata. Gli attori sono abbastanza bravi, riescono a dar vita a personaggi molto buffi, ma il film non regge i tempi troppo lenti. Umorismo, fotografia, campi lunghi e una buona sceneggiatura, in compenso, si salvano.

Un'analisi oltre le prime impressioni:
La repulsione e il fascino dell'ambiente quotidiano, l'impossibilità di fuggire e la nevrosi soffocante indotta da questa contraddizione, il disfacimento della vita nel continuo protrarsi e acuirsi di questa nevrosi, impregnano anche Cul de Sac (1966), altra ripresa del triangolo amoroso, ma questa volta nell'ottica di un humour nero molto britannico. L'elemento di disturbo del triangolo è questa volta un personaggio comico che, come il giullare del "Re Lear", funge da coscienza del castellano, smascherando la sua angoscia e la sua solitudine, evidentemente acuiti dalla perdita della moglie e vanamente lenite dall'assunzione di un'amante. In quell'isola l'uomo si rende conto della meschinità di tutti coloro che gli stanno attorno, egoisti, crudeli e ingrati (per repulsione dei quali si è d'altronde segregato nel castello).

Il Cacciatore

2005-05-04T10:31:00.000+02:00

John Cazale morì di cancro alle ossa subito dopo la fine delle riprese di The Deer Hunter, a 43 anni e 6 film: l'esordio in The American way, i due Padrino, La Conversazione e Quel pomeriggio di un giorno da cani. Personaggi umili, deboli, nonostante le drammatiche storie in cui erano coinvolti, ma forti e ben rappresentativi di una sofferenza sentita sulla propria pelle (più che nel bene, nel male) e proprio per questo di una forza implosa.
Il Cacciatore è un film sulla perdita della forza, quella proveniente dalla condivisione di un ideale, quella di un gruppo di amici uniti da un'innocente caccia ai cervi e da un modesto lavoro in un'acciaieria. Il film si distende nelle sue tre ore (mai lunghe) tra valori, consapevolezze e prove di coraggio, strettoie in cui la vita e la morte sono appese al gioco di un solo preciso colpo. L'etica della precisione è il principio di vita e l'unica sicurezza di Mike-Robert DeNiro, il solo in grado di guardare nello specchio, calarsi nelle atrocità delle probabilità con una sola arma e ritornare maledettamente sui suoi passi, senza poter ritrovare e restituire a sè e agli amici il loro passato.
Il matrimonio, la caccia, il gioco della roulette russa in cui è compresso tutto il Vietnam, il disordinato ritorno degli amici a casa e l'amaro vuoto e la solitudine finale sono le tappe che portano alla sconfitta per l'assenza di una vera moralità e per la difficile sopravvivenza dell'unico valore condivisibile: l'amicizia. Nemmeno l'amore trova posto nell'affresco dello spirito americano: relazioni appena abbozzate o solo furtive, un matrimonio che ha sùbito il sapore del tradimento.
Michael Cimino prende la guerra del Vietnam per rappresentare un passaggio che non è un viaggio, non è un sogno e nemmeno un incubo. È una pena che si deve scontare in qualsiasi momento, forse un monito alle eccessive e immature convinzioni del popolo americano ed anche un segno di quel cambiamento violento ed epocale perchè non ne sono i fautori.
La lunga ma bellissima sequenza del matrimonio ci immerge in un' atmosfera priva di preoccupazioni, dove si allontanano tutte le ansie e le paure per una partenza forse senza ritorno. È una sequenza che considero precisa nella sua durata perchè inneggia e scolpisce un momento che si vive senza alcun segno di ciò che avverrà; tale è la sua potenza ed efficacia che pare auto-escludersi da tutto il resto, elevandosi quasi ad un episodio mitico che non si può pensare di riprodurre. Sulla montagna il gruppo di amici si mostra in tutta la sua spensieratezza, ma, a differenza che nel matrimonio, qui la vera essenza dei rapporti emerge meglio: l'episodio degli stivali mette in luce le due contrapposte personalità del debole Stan e del maniaco idealista Mike, come anche una ulteriore conferma della maggiore intesa tra Mike e Nick. Essi sono gli unici due che capiscono e danno senso allo sparo di un proiettile, che sia un cervo o il loro cervello ad essere centrato. Si ritroveranno maledettamente insieme quando dovranno sottoporsi a una scommessa sulla loro vita.
Tutto il grandioso film di Cimino si articola e si sorrege sulle due complementari metafore della caccia al cervo e della roulette russa, come per dirci che non c'è alcuna differenza tra i due obiettivi e che l'unica sofferenza con cui dobbiamo fare i conti è quella del ritorno consapevole alla natura come valore supremo, unico confronto possibile senza vincitori nè vinti.

Nemico Pubblico

2005-05-02T23:20:00.000+02:00

Basterebbe solo commentare la didascalia di chiusura, per parlare del gangster movie nella golden age, del contesto storico in cui venivano realizzati, della loro influenza sul pubblico e di tanti altri aspetti.
Nemico pubblico si chiude con la scena più drammatica del film: Tom è stato rapito in ospedale dove stava passando gli ultimi giorni di degenza, ma il suo capo avverte il fratello che farà di tutto per riportarlo a casa. In cambio però dovrà sparire dalla circolazione. La madre, alla notizia, ovviamente scoppia di felicità e inizia a preparare il letto per accoglierlo. Una musica in che poi diventa d'ambiente, unisce i due luoghi dell’attesa: la camera da letto con la madre, l’ingresso di casa dove il fratello attende nervosamente. Bussano alla porta; il fratello corre verso di essa; inquadratura frontale; musica; apre la porta e piano americano del cadavere di Tom che dopo due secondi cadrà (angolazione fortemente dal basso) sul pavimento di casa; stacco sulla madre intenta a preparare il letto; sguardo del fratello chino sul cadavere, incazzatissimo, ma non cova vendetta; si alza e cammina verso la macchina da presa. Fine con didascalia: questo non è un uomo, non è un personaggio, è un problema che noi SOCIETÁ dobbiamo risolvere! Più chiaro di così si muore: trionfa la giustizia, affidata al giudizio degli spettatori, e trionfa anche l'amicizia alla quale il film inneggia in modo particolare.
Senza mezzi termini, Nemico pubblico è un film da mettere immediatamente vicino a tanti altri film del genere più recenti e più influenti sui nostri gusti. Servirebbe insomma una vera operazione di rispolvero di certe pellicole, non dimenticate, ma solo studiate per la loro appartenenza a un genere storico.
Il protagonista è interpretato dal volto mitico di James Cagney. Non c’è niente da fare, quest’attore sfonda lo schermo per la sua espressività immortale, a dispetto di un datato Bogart. Anche i comprimari non sono da meno, tutte facce che appartengono da sempre al mito dei gangster.
Ma andiamo con ordine. Del film andrebbero citate tutte le sequenze, ma per non esagerare con l’euforia da post-visione posso ricordarne tre: quella nel bar quando i due soci conoscono il loro nuovo capo, ma anche quando i due entrano tutti agghindati nel locale dove sedurranno le prime due donne annoiate. La più bella è però quella classica della vendetta sotto la pioggia quando Cagney attende che le sue vittime entrino nel locale da dove subito dopo ne uscirà gravemente ferito, bagnato e sanguinante e con una sola frase: “Ero un duro”. Anche gli attori che interpretano i due amici da ragazzi sono perfetti nei ruoli. Il gesto più memorabile di Cagney è cmq quel pugno di intesa che lui rivolge al suo amico come anche a sua madre per rassicurarla. Altre due piccole osservazioni: il fratello Mike ritornato dalla guerra con ancora addosso la divisa ricorda, sia nell’espressione che nella pettinatura, il ben più famoso Michael de Il Padrino.

Il coltello nell'acqua

2005-05-02T16:23:00.000+02:00

In una qualsiasi domenica d'agosto la tensione prende corpo nel gioco perverso di due uomini, nello scontro delle loro personalità, in apparenza opposte, a bordo di una barca in alto mare.
La storia si articola e cammina su un gioco precario di forze opposte e a somma zero che tracciano una tensione quasi sempre palpabile, galleggiante sull'acqua, mai scoposta e squilibrata. Il bianco e nero azzera totalmente i magnifici colori di una giornata di sole in alto mare, restituendo un senso inquietante e primordiale di contrasto che proviene dall'ambiguità di ciò che accoglie e ciò che è accolto.

Il coltello nell'acqua è la sintesi di tutto ciò che possiamo riunire sotto la definizione di thriller degli istinti: la carica (omo)erotica e il pericolo sempre affacciato sulla sua rottura, il gioco infantile della sfida fine a se stessa. Per quasi tutta la durata del film pare che la donna non abbia alcun ruolo rilevante nella storia, eppure è proprio lei che muove tacitamente i fili delle pulsioni. Rimane in silenzio senza intervenire concretamente su ciò che avviene a bordo della barca tra i due uomini; solo alla fine saprà giocare la sua carta con un atteggiamento quasi mostruoso elevandosi al di sopra delle finalità maschili. Il giovane è un pò il depositario del comportamento istintivo del cacciatore (una animale di terra, eretto, evoluto), mentre l'adulto nella sua arroganza e supponenza è il depositario di paure ancestrali, del primitivo, un animale d'acqua, l'uomo delle palafitte che si erge quel tanto per non annegare, restando nella suo falso movimento, nella staticità antropologica. Il primo sa usare la parola come uno strumento di difesa (finge) e ha capacità di adattamento; il secondo è incolto (nonostante sia un giornalista) e attacca con le parole per non difendersi. La donna è invece il nuovo animale, un anello di congiunzione, ma anche una mutante.
Questo primo film di Roman Polanski del '62 si fa apprezzare per l'abilità dei movimenti di macchina sulla barca e nell'acqua: primissimi piani e profondità di campo inquietanti si uniscono ad un uso umido e asciutto della luce e di suoni che bucano lo schermo. Polanski però non riesce a sostenere la tensione per tutto il film. Ci si annoia un pò quando i tre giocano a shangai all'interno della barca: una sequenza troppo lunga.
Il coltello nell'acqua è un film astratto, essenziale (forse minimalista o modernista), è il gioco del coltello e della mano, della tensione latente e dell'ambiguità.

Stardust Memories

2005-05-02T10:06:00.000+02:00

Woody Allen tenta tutte le combinazioni possibili tra sè e le donne, tra i suoi tormentati pensieri e il mondo della cultura. Questa volta sceglie di porre uno specchio davanti ai suoi ricordi, cioè cinema e donne, e analizzarli, scorazzarci dentro fino all'apologia più (auto)corrosiva, fino alla critica più seduta che ci si potesse aspettare da lui, quella nella sala cinematografica durante e dopo la proiezione. Siamo sicuri che il regista newyorkese sia sinceramente disposto a dare tutte le risposte alle menti tanto plagiate dai suoi film? Nel film il regista si fa ala Marzullo una domanda e si dà una risposta, forse per prevenire solo quelle che gli spettatori si pongono durante la vera visione del vero film; sarà pure così, ma ci ritroviamo sempre ad aggiornare la lista delle sue battute fulminanti.
Il titolo non è niente male: Stardust Memories. Lo Stardust è un Hotel dove và a far abitare temporaneamente (il tempo di girare alcune scene del suo film) i suoi ricordi. Una donna lo raggiunge, un'altra la ruba al suo compagno, un'altra ancora la seduce fino a farla separare dal marito. Lui è un regista a cui vorrebbero rimontare il film per richiamare un pubblico più vasto, ma egli è già un artista di successo: i fan lo accerchiano e lo fermano per strada per un autografo e una donna si lascia addirittura scopare, con il beneplacito del marito, e tante altre lo considerano molto sexy. Eh si, è un film e Allen non si lascia sfuggire l'occasione per sguazzarci dentro!
L'ebreo newyorkese non fa altro che parlare di sè, ma con stile (parodistico e non) e intelligenza, in un eccellente bianco e nero (nemmeno l'ultimo), e con diverse scene memorabili. Su tutte quelle nella sala cinematografica dopo la proiezione o quella dell'incontro con gli alieni (che sanno già tutto di lui e non vogliono rispondere alle domande poste in modo sbagliato), ma anche quelle brevissime che rappresentano il suo inconscio d'artista (l'evasione della sua ira...). Prima del grandioso e certosino Zelig, Allen dimostra di saper usare con genialità due figure linguistiche: il fuori campo e la soggettiva. Ma oltre un pugno di battute, una fotografia bellissima e altri piccoli particolari, cosa rimane? Resta lui. Questo film potrei definirlo come più di un'apologia, un testamento artistico e, volendo, anche umano prima che arrivi il momento in cui non avrà più niente da dire.

La verità è che Woody Allen è unico. Non bisognerebbe prenderlo e criticarlo come si fa con tutti gli altri. Se dovessi pensare ad un'immagine che rappresenti il suo cinema, prenderei forse quella vista nella sequenza iniziale di Provaci ancora, Sam: lui esce dal cinema e inizia a lamentarsi dell'impossibilità di vivere ed essere come il protagonista di Casablanca. Lui e il suo cinema sono come un qualsiasi spettatore che smonta se stesso, gli altri che hanno visto il film e la sua critica al film stesso.
Si, più o meno questa è l'immagine che ho di lui :-)

Il genio della truffa

2005-05-01T14:49:00.000+02:00

Mancano pochi giorni per l'uscita mondiale del nuovo film di Ridley Scott "Kingdom of Heaven" (s)tradotto da noi con uno sciapo "Le crociate" e non so cosa aspettarmi. Aprirà la stagione dei grandi kolossal hollywoodiani ma soprattutto si metterà inevitabilmente a confronto col precedente Gladiator e con tutti gli altri storici (biopic e non) sfornati negli ultimi 24 mesi. Scott ormai si diverte con storici, sequel e war games e talvolta (cioè da 12 anni) anche con storie modeste, come questa con Nicholas Cage in Matchstick men. Letteralmente significa "uomini fiammifero spento" (!) ma il Ragazzini mi viene in soccorso e scrive che sta per "uomo disegnato a tratti essenziali". A ben vedere il personaggio di Cage è un pò fumettistico, ma non so se questa fosse davvero l'intenzione di Scott; fatto sta che è un fobico della polvere, un ossessivo compulsivo che non riesce a frenare il suo tic all'occhio sinistro e non riesce a non tenere in un ordine perfetto la sua casa. L'interpretazione di Cage non è male, ci si accorge della sua preparazione (si è calato...) anche se è il film che si presenta un pò frazionato. La storia è prettamente americana: la colonna sonora sempre presente fonde e quasi accavalla canzoni dei gloriosi 50s/60s, l'ingenuità della gente che abbocca alle truffe, alcune macchine in stile d'epoca... A tratti sembra davvero che in epoca di inganni globali Scott abbia voluto fare il suo Prova a prendermi, e in effetti i due protagonisti non sono molto dissimili sotto alcuni punti di vista. Il film è tratto da un recente libro di Eric Garcia del 2001 "La carogna": pare che sia ben scritto e che il personaggio di Cage corrisponda a quello del libro, però forse la sceneggiatura ha un pò tolto l'unità del racconto. Durante la visione sono visibili quelle tracce che dovrebbero rimanere innoque per tutta la sua durata. La truffa di Frank ai danni del compagno viene svelata subito quando si vuol far credere che lo psicanalista stia chiamando la moglie di Cage, moglie che in tutto questo non vediamo mai nè sappiamo davvero niente. Dicevo un pò frazionato. Si perchè se all'inizio vediamo i due soci al lavoro e i segni di ossessione del protagonista, in una seconda parte troviamo l'arrivo della figlia e poi una terza e finale parte dove tutti i nodi verrebbero al pettine. Se Scott avesse messo dei cartelli prima di ogni parte avrebbe fatto un lavoro anche più onesto. Ma non è questo il punto. Il film riesce perchè non è pretenzioso è solo modesto, però vuole essere una commedia mista a crime movie. Pare salvarsi il lavoro sul montaggio nervoso di Dern (lo stesso di Memento e Insomnia) e la fotografia "patinata" di Mathieson, la colonna sonora se ne cade perchè troppo invadente. Il giudizio finale sfiora la sufficienza, perchè non ci si aspetta più un film del genere da Scott... o forse sarebbe meglio ormai aspettarseli tutti così? :-S Cattiveria a parte, il titolo mi ritorna in mente: il suo significato può essermi chiaro. L'uomo disegnato nei suoi tratti essenziali è quello costruito e ingannato dal truffatore, in questo caso è lo stesso protagonista, poco carnefice e molto vittima. Più che vagamente ironico e comico è inquietante se si riascolta la frase che Cage dice alla figlia: " Spesso freghiamo gente che non se lo merita". Ma che ruolo interpretiamo?

Quelli di offscreen stravedono come sempre. Per Il genio della truffa parlano di una prospettiva reale di vita: un uomo che dopo 15 anni ricomincia ad esistere e a vedere finalmente il proprio sogno. In questa lettura positiva del film pare esserci una fedele descrizione del personaggio Cage. Avessero almeno scritto ciò che invece non và e che non ha convinto i più...

Forgotten Silver

2005-04-24T21:34:00.000+02:00

1996. Peter Jackson non ha ancora messo piede nella Terra di Mezzo quando realizza questo falso sull' incredibile scoperta, fatta da lui stesso, di una quantità di film di uno sconosciuto e dimenticato cineasta neozelandese, genio e pioniere del cinema mondiale, tale Colin McKanzie. Questo cognome, secondo il regista, nasconderebbe una personalità ben superiore a quella di Orson Welles e un genio più audace e innovativo di Griffith, Chaplin e Gance messi insieme. L'inganno enunciativo è progettato e portato a termine guardando con un occhio al noto capolavoro di Woody Allen, Zelig, e con un altro al pubblico in sala che dovrebbe abboccare nel migliore dei modi ad un documentario spuntato dal nulla, come il presunto regista di una terra lontanissima.
Cos'è che non va in Forgotten Silver? L'incoerenza con la realtà. L' arma di Peter Jackson credo sia, per noi europei, principalmente una sola: geografica. Adesso, la credibilità di un tale documentario può poggiare fino ad un certo punto sulla lontananza della fonte: va bene che della Nuova Zelanda nessuno sa niente, ma riempire questo vuoto con una tale rivelazione e rivoluzione storica di portata mondiale sembra eccessivo, da un certo punto in poi del documentario. Eccessivo perchè, nonostante nell'ultima mezz'ora si giochi la carta dell'ironia iperbolica, più che sulla sua iniziale coerenza con la realtà, essa si spezza diventando solo un film interessante dal punto di vista linguistico. Ed è solo per questo che le immagini del "grandioso" film Salomè, trovato proprio tra le rovine del set in cui era stato girato (!), pare interessare di più. Quando ancora Il Signore degli Anelli doveva conquistare il mondo, Peter Jackson era poco più di un emergente regista di film horror-splatter; oggi sappiamo quanto la sua formazione di regista debba molto alla visione di classici film kolossal, tipo King Kong. Le immagini di quel sorprendente Salomè si presentano perciò come un omaggio e una versione embrionale di quella che sarà la sua trilogia. Ritornando al film, esso risulta credibile solo nella prima mezz'ora, in cui ci affidiamo alle testimonianze del produttore Weinstein e dell'attore Sam Neill, dando per vero che sia esistito un regista che ha filmato il primo volo umano o che ha inventato la prima carrellata (legando la cinepresa ad una bicicletta); però l'inganno non regge successivamente nè per lo storico del cinema, nè per il pubblico ignorante di tante nozioni specifiche, quando ci viene detto e mostrato il primo film sonoro (parlato in cinese stretto, dunque non avrebbe mai fatto testo) e addirittura il momento del sacrificio militare del regista mentre era in guerra a Gallipoli. Insomma la seconda mezz'ora annoia non riuscendo più a stupire. Quando si dice "un film riuscito a metà"...
Nonostante ciò la cura nel ricreare i disturbi della pellicola dell'epoca, la composizione dell'immagine, la classicità di quelle prime riprese sono ben riuscite. È però bene dire che la perfezione dei filmati di Zelig non è completamente raggiunta e a volte pare che l'unica contraffazione dell'immagine sia solo nel colore e nella sgranatura.

Ai neozelandesi questo documenario, anzi mockumentary, venne mostrato in tv e... destabilizzò l'intero paese. Io l'ho visto ieri per la seconda volta e non trovo che sia un capolavoro, come qualcuno scrive. È un omaggio ludico, certosino e spensierato al cinema, ma niente di più.

Non ti muovere

2005-04-17T00:27:00.000+02:00

I personaggi interpretati da Sergio Castellitto non mi appartengono: li vedo così profondamente ciechi ed egoisti che non riesco a convincermi della loro maturazione finale. Quell'espressività così dura, fredda e distaccata (bravo e preciso in questo) basta a se stessa, come se non ci fosse bisogno delle parole. Non sentirlo non significa non apprezzarlo, è bravo e non metto in dubbio che possa realmente essere un "nuovo Mastroianni", per quanto possa valere qui in Italia questa onorificenza americana.
Due ruoli memorabili per il Castellitto cinematografico: è l'artista ateo che dovrà confrontarsi con la santità della madre ne L'ora di religione, qui è invece un medico bloccato dalla propria sofferenza per un amore istintivo e profondo: gli uomini fanno i conti con la loro natura di stronzi e arroganti e si scoprono testimonianza di una fede che non credevano possibile. Non è tutto così liscio perchè a farci le spese sono le donne, vere creature mirabili, portatrici dell'autentica sofferenza di un mondo senza senso. Penelope Cruz ha fatto uno sforzo disumano nel sottoporsi a scene tanto morbose e allo sguardo chirurgico e malato del regista, attore e scrittore Castellitto. Questo copione così violentemente mistico l'ha trasformata più quanto il trucco abbia fatto per la Theron in Monster.
Non ti muovere mette in scena la proiezione del vuoto affettivo. Nello spazio della personalità del protagonista la sottrazione di un bisogno e l'accumulo degli umori non giusti, creano la sospensione e l'immobilità nel trauma di sè. L'immobilità che scaturisce dall'imperativo che il protagonista rivolge a se stesso , è il peso del bisogno incomprensibile che lo schiaccia, invade se e gli altri come un'istinto passionale e come il sangue che straripa dal proprio solco.
La bellezza di questo film è per me, prima di tutto, nella capacità di rendere una storia così personale un buon esempio italiano di equilibrio espressivo, perchè è solida e dura in egual misura, e poi perchè mi ha catturato nonostante sia un melodramma borghese, sottogenere che non mi interessa.

Noi albinoi

2005-04-09T19:57:00.000+02:00

Siamo all'ultima lettura, l'ultimo remake della storia già sentita e vista sul ragazzo prodigio non compreso dalla scuola, non sostenuto dalla famiglia e limitato da un ambiente sociale chiuso in se stesso. Il regista ha indovinato l'unica storia che può essere ambientata nella sua patria creativa, l'Islanda, trasformandola nella vicenda sottilmente ironica di un ragazzo albino in un paese quasi nascosto dal bianco della neve, e in un altrettanto ironico gioco di percezioni: chi è più albino, il protagonista o il luogo in cui vive?
È il caso di dirlo, l'ironia della sorte giocherà col protagonista fino alla fine: i tentativi che attua per scappare dalla cittadina e dalla patria ghiacciata (un luogo inesistente addirittura sulla stessa cartina del mondo presente nel museo locale!) saranno inutili finchè una vera e propria manna biblica che cadrà dalle montagne non lo salverà da chi voleva trattenerlo. Nulla di nuovo nel cinema, si potrebbe aggiungere. In un certo senso è vero; la storia anche se già vista è rimaneggiata in modo da non passare inosservata. La forza del film è nella sua ambientazione e il regista Dagur Kari ne ottiene il massimo che può offrire alla storia. La fotografia e l'interpretazione del protagonista svolgono ruoli fondamentali. Tra il pallido, il ghiacciato e sottili blu e verdi si articola la percezione dell'Islanda in letargo dall'umanità, inibitoria come anche un africano potrebbe immaginarsela, stereotipata in modo così grottesco da farci avvertire compassione. Noi (si legge "noui") è l'incarnazione perfetta dell'Urlo di Munch (ma anche il ritratto da giovane dell'arbitro Collina): una larva umana con cappellino e poche parole, nessuna per urlare, tutte per scappare.
Forse nel Nord del mondo questo film era necessario per risvegliare la voglia di non farsi schiacciare dalla natura che tanto dà alla loro anima, ma tanto toglie alla loro umanità e creatività; una popolazione che ha forse bisogno di più valanghe interiori che concrete per non morire nel proprio guscio. Noi appare perciò come il figlio, la sintesi dell'incontro tra la natura e gli esseri umani, il feto che non deve essere abortito, il superstite, l'uomo nuovo che simboleggia l'evoluzione e un "nuovo popolo" (?): nel finale Noi non scapperà più verso le Hawaii, ma continuerà a sognare il mare e la spiaggia, di certo con più libertà.
Il Nord ha ultra-premiato questa pellicola che Sky non smette di far girare. La rivelazione è nell'istantaneità, esemplarità e sincerità del suo messaggio, da un mondo che ci è lontanissimo.

Provaci ancora, Sam

2005-04-07T09:56:00.000+02:00

Scritto da Woody Allen, ma diretto da Herbert Ross, questo film anche se ha un target ben preciso non disdegna di essere una storia che si rivolge a chi ha avuto problemi con le donne e con la propria insicurezza come grosso motivo di impaccio per conoscerle: ok, praticamente tutti.
C'è chi non vuole affatto avvicinarsi ad alcun film di Woody Allen per pregiudizi di vari tipi, e in realtà non capisco perchè non si debbano vederli se possiamo trovare in essi, se non proprio una terapia, almeno un sostegno morale e soprattutto ironico alle insicurezze. Si, Allen, gira e rigira, si ritrova sempre ad affrontare sullo schermo le sue tragicomiche nevrosi di sincero-cinico essere umano e può darci l'impressione che più che curarsi e curarci, tiri invece dalla parte sbagliata dell'inconscio favorendo l'emergere di molti più dubbi e problemi di quanti non ne avessimo già; però lui più che porci di fronte a uno specchio, ci avvicina a sè, permettendoci di osservarlo come se fosse la cavia che si sottopone per noi, come quando in Zelig, l'omonimo camaleonte umano viene analizzato dalla psichiatra Mia Farrow e da una cinepresa nemmeno tanto nascosta nè a noi, nè a lui, nè al nostro inconscio.
"Play it again, Sam" non fa che dire che nessuno deve lasciarsi sovrastare, sommergere, sconfiggere dai problemi, i dubbi e le situazioni che noi stessi ci creiamo: il rapporto con le donne và preso senza troppi ripensamenti, approfittando delle occasioni, quelle le uniche che non bisogna lasciarsi sfuggire. Il messaggio non poteva che essere più semplice di questo, eppure quanti hanno sempre bisogno di ricordarsi di non soffrire (di) se stessi? Woody Allen è straordinario perchè, se è vero che rimescola sempre nelle storie, le sue proverbiali comuni nevrosi della contemporaneità, non analizza ma ride e ci fa (sor)ridere sempre con intelligenza e arguzia di dialoghi, di personaggi, di citazioni cinematografiche e letterarie (ma non solo). Il cinema è sempre (o quasi) un'esperienza: quello di Woody Allen può risultare utile anche perchè è un concentrato di battute, aforismi da riutilizzare e ripensare. E poi Humphrey Bogart che consiglia come un severo amico l'insicuro Woody sul rude comportamento che deve avere con le donne, è davvero spassoso; i telefoni che squillano quando non dovrebbero farlo; il direttore d'agenzia immobiliare Dick che non fa altro che avvisare la segretaria dove può trovarlo in quel momento comunicandole un'infinita sfilza di numeri di telefono (per lui il cellulare sarebbe un pianeta da conquistare!); le parodie cinematografiche (il bagno di Dick quasi su tutti). Da vedere. Il gioco tra vita reale, vita cinematografica, cinefila, tormentata, insicura, patologica pare non aver fine, non sembra esserci un confine, un sostegno o quant'altro. Brillante!

Al cuore si comanda

2005-03-26T19:49:00.000+01:00

L'ultima volta che ho visto un film per il solo fatto di aver girato su un altro canale, è stato diverso tempo fa con un film di Frankenheimer "E il vento disperse la nebbia": qualcosa di inutile, due ore perse, se ci penso...
Per questo film del figlio di Morricone è stato diverso. Dopo aver fatto un giro tra i commenti sul web ho capito che molti non l'hanno accettato per quello che è: una commedia romantico-"brillante" in stile americano. Il problema è sempre lo stesso. Se a fare un film del genere è un inglese o un americano, tutto bene, sarà anche brutto ma in qualche modo può piacerci. Se lo fa un italiano, è irrimediabilmente brutto. In sintesi. La storia è quella ingenua di una donna di trent'anni (la Gerini) che ancora non ha trovato il fidanzato giusto e che per caso decide di affittare un uomo, un trombettista disperato (Favino), spacciandolo per il suo ragazzo. Si lasceranno quando lei avrà trovato in un ricco dentista un uomo migliore, ma poi si riprenderanno come d'obbligo per queste storie. La regia fa pensare a una destinazione più televisiva che cinematografica e nel complesso il film ha alcune cadute di tono, nonostante la materia sia semplice da narrare. Ciò che però risalta su tutto il resto è l'intepretazione della Gerini, davvero bella e brava, di Favino, bravo anche lui e della Impacciatore, carina ed in parte.
Ritmo quasi sempre veloce, recitazione azzeccata. Un film leggero da bere in un sorso. Piacevole. Non capisco perciò come si possano stroncare anche le intepretazioni di questi tre attori. Il segreto sta nel vederlo come un film non italiano. Volendo si può ritrovare anche un richiamo a "Sex and the city", nel gruppo di amiche che spettegolano sugli uomini... Insomma un prodotto italiano come dovrebbero essercene di più e migliori, se vogliamo un vero star system e un cinema che sia anche industria: gli attori se sono capaci di interpretare certi ruoli lo saranno anche per questi. I dialoghi sono simpatici e la Gerini merita davvero un personaggio simile ma scritto meglio, sono sicuro che potrebbe sfondare in qualche modo.

Mi sono dilungato forse un pò troppo, ma il film è un pretesto per poter criticare chi ritiene che questi tipi di film vanno disprezzati senza pensarci troppo. Noi importiamo da sempre commediole del genere (anche se migliori): perchè non pensare che potremmo fare altrettento noi? Qui manca la letteratura che fa da ispirazione a storie come quella di Bridget Jones, però almeno si tenta di realizzare prodotti simili, quando manca anche una produzione di serial e telefilm. Ecco tutto.

Le avventure acquatiche di Steve Zissou

2005-03-26T15:15:00.000+01:00

Molto intellettuale dandy pseudo-fighetto. The Life Aquatic ha una messa in scena molto più personale de "I Tenenbaum", ma meno convincente in alcuni punti: viene facile far notare al regista un manierismo troppo marcato, un amore per il dettaglio troppo evidente però appare tutto così carino-caruccio che quasi si arretra di un passo e si finge di aver capito male (come Dafoe nel film, forse?). Anderson è uno che veste letteralmente i suoi film con tutine e/o cappellini in serie, ti mostra anche il manichino che sorregge tutta l'impalcatura come per stupirti delle cuciture (la nave è un set), i colori sono accesi e ben coordinati, una colonna sonora simpatica e molto azzeccata. Tutto seducentemente e ironicamente cult, ma non è cult! (forse lo diventerà...)
L'impressione è quella che tutto il film sia un disegno realizzato da un ragazzino sulla parete di casa sua. Esattamente un ragazzino, Wes non si fa alcun problema nel mostrarci il fanciullino che è in lui, anzi ci dice apertamente che è un ragazzino di 36 anni, trascurato dai genitori, che crea e gioca col suo mondo fatto in casa. Bizzarri e un pò imbronciati i personaggi di questi due film si spingono verso un riconoscimento esistenziale, nella famiglia-società, delle capacità di adattamento e di successo, con scarsi risultati. E così il fallimento diventa ironia e le responsabilità lasciano il posto all'immaturità, mai così divertente.
Wes Anderson qui espone nella migliore delle intenzioni la sua marca di autore postmoderno. Nel cinema postmoderno di ultima generazione tutto diventa ancora di più gioco e questo film non fa assolutamente eccezione. I dialoghi sono apprezzabili in diverse situazioni, ma la costruzione e lo sviluppo dei personaggi non è costante per tutti. È una commedia in fondo amara molto originale e visionaria, però resta un gioco che avrebbe potuto credere di più in se stesso. Anderson cerca e riesce nello stupirci con immagini che costruiscono un'avventura senza bussola però l'attenzione e la carucceria snaturano l'essenza di metà dei momenti comici. Con ciò non voglio dire che non sia un film riuscito e consigliabile, ma che avrebbe richiesto una cura nella sceneggiatura al pari di quella de "I Tenenbaum".
"Le avventure acquatiche..." è stato fin troppo sottovalutato in Italia (forse anche all'estero, non so) tanto che nella mia città è rimasto per poco tempo e in una sola sala. Poca visibilità per un regista che è venuto qui da noi a girare il film, che si apre con la conferenza nel Teatro San Carlo e si appoggia ai teatri di posa di Cinecittà, e che non rifiuta un accostamento con la visionarietà felliniana. Ma non solo: poca visibilità per Anderson, regista che si sta facendo strada per essere posizionato al fianco di Tim Burton.
Al quarto film Anderson non sembra aver perso, come invece altri, la sua impronta bizzarra: è un buon segno, però credo che il prossimo dovrà per forza di cose discostarsi dagli ultimi due e narrare una storia diversamente visionaria, altrimenti rischia di diventar noioso.

Ferro 3 - La casa vuota

2005-03-23T11:55:00.000+01:00

Kim Ki-duk ha appena vinto a Venezia 61 il premio per la miglior regia per questo film presentato a sorpresa e subito definito da molti come il colpo di fulmine dell'ultima edizione della Mostra: è un occhio che saluta, è una mano che vede o, ancora meglio, il corpo che si fa occhio?
Il protagonista, un ragazzo che abita temporaneamente gli appartamenti di persone assenti, per vivere un'intimità che trova forse solo in luoghi a lui estranei ma in cui entrare in contatto, semmai per ripararli.

Il film di Kim Ki-duk gode di quella precisione ma anche violenza e razionalità, che non appartengono al regno della realtà: riesce perfettamente a distaccarsene tendendo verso il sogno, l'impossibile. Alla fine del film compare una frase dello stesso Kim secondo cui "è difficile dire se il mondo in cui viviamo è sogno o realtà". È un concetto espresso da molte storie e molti film, anzi è il cinema stesso che gioca su questa ambiguità, ma Kim Ki-duk ci avvicina ad essa col sorriso di chi sa e si stupisce, e che ci permette di accettare e condividere un segreto di libertà. E allora più che parlare da un punto di vista formale dell'invisibilità graduale del protagonista che dalla sua auto-oggettivizzazione nelle sue foto digitali si trasforma in pura soggettiva e infine in perfetto allineamento di corpi e di ombre, sono spinto di più a sottolineare l'assenza di parole dei due protagonisti, un gesto disarmante e anarchico, individuale, intimo e unico che ricorda molti altri film orientali, dal Takeshi Kitano de Il silenzio sul mare e Dolls allo stesso Kim Ki-duk di qualche anno prima in Bad Guy.

Kim Ki-duk, i cui film sono pieni di distruttività e di violenza, utilizza l'orrore e il sadismo non come fini a se stessi, ma come un sacrificio per riportare l'umanità a uno stato precedente a quello della sua contaminazione con una realtà crudele.

da cinemacoreano.it

Insomnia

2005-03-16T23:47:00.000+01:00

Le aspettative per questo terzo film di Christopher Nolan, dopo l'originale Memento e l'interessante Following, erano abbastanza alte, tenendo anche conto dell'ingaggio di Al Pacino e della seconda prova da antagonista di Robin Williams.
Prendere una pellicola norvegese del 1997 e rifarla quasi inquadratura per inquadratura non è una grande sfida per un regista che aveva promesso qualcosa di nuovo nel genere thriller. Non tutto gioca a suo favore, però bisogna ammettere che i presupposti per un film interessante c'erano e, se Nolan avesse saputo caratterizzare meglio i personaggi (eppure alcune frasi non sono male) e drammatizzare meglio, sarebbe potuto uscire un ottimo film. Invece siamo di fronte ad una pellicola che non sottolinea benissimo l'abbandono sensoriale del protagonista e non crea un buon coinvolgimento nello scontro tra il detective e l'assassino. Quest'ultima mancanza sarà forse anche da imputare al poco affiatamento tra Pacino e Williams, una coppia molto strana, due attori decisamente diversi (ma è meglio ritornarci dopo).

Per una giovane polizziotta dell'Alaska, il detective di città è una piccola celebrità nel settore: la sua naturale predisposizione nel muoversi nelle indagini e nel cogliere i minimi dettagli di un corpo ormai morto, verrà questa volta messa in discussione fino a crollare. Preoccuparsi dei dettagli e non accorgersi dell'evidente fenomeno del sole che non tramonta, sarà il primo e unico errore che costerà caro al detective. A sconfiggerlo è sia l'ambiente sempre luminoso che lo espone da subito ai suoi limiti sensoriali e fisici, che la fiducia che ripone nelle sue capacità di controllo di ogni sua azione. Il detective si accorgerà di non essere infallibile e che non gli sarà più possibile nascondere i suoi errori. Anche Nolan si occupa di dettagli: quello iniziale delle mani è ormai una sua firma.

L'abbagliante e insolita scenografia naturale è tutto il film. L'Alaska sembra un'immenso Overlook Hotel dove la realtà non diviene allucinazione e viceversa, ma dove il corpo umano è messo sotto sforzo. Gli occhi del protagonista vorrebbero chiudersi e commettono l'errore di non saper più distinguere. La percezione viene provata e annientata. Ecco che si ritorna ai motivi alla base del film come anche a quelli di Memento: l'allontanamento delle facoltà percettive dal sè, il non riconoscersi più nell'affidabilità dei propri gesti e movimenti, il diluirsi e il crollare dell'edificio dell'identità.
Lo scrittore assassino interpretato da Williams approfitta dei limiti sensoriali di quest'uomo fuori dal suo normale contesto. Egli vorrebbe convincersi e convincere il detective che l'uccisione sia solo stato un incidente e a sua volta il detective vuole nascondere l'omicidio del suo collega per non incappare in spiegazioni difficili e per non portare a galla vecchie procedure investigative illegali. Entrambi e in modo diverso sembrano voler nascondere la loro fragilità: ed è lo stesso Williams che affermerà che la fragilità umana è un grande tabù che non siamo disposti ad accettare. Basta perdere contatto con la realtà, non saperla e poterla controllare più, per incappare in uno scatto di irrazionalità o sparare alla cieca un proiettile, ed entrambi sono effetti di volontà sopite e inconfessabili. L'ambiguità della nebbia, la sua opacità e la luce senza fine, sono gli elementi che porteranno alla confessione del crimine e dei crimini. Il detective è alla resa dei conti con se stesso e quella luce sempre presente sembra la lampada che i polizziotti rivolgono con insistenza negli occhi del criminale quando devono interrogarlo. La morte è forse quell'atto che sapeva di meritare ma che voleva evitare e nascondere. L'Alaska come luogo da cui fuggire o verso cui fuggire, cmq un posto dove negare la propria identità e restare estranei alla normalità, in un certo senso è anche un ultimo avanposto per decisioni giuste e definitive.

Nel complesso potrei considerarlo un film neutro: nessun accento particolare, nessun lavoro realmente drammatico su un solo elemento del film, forse solo sulla fotografia...
Il montaggio di Dody Dorn (che ha già lavorato per Memento e il curioso e quasi sperimentale Guy) non osa più di qualche stacco veloce delle inquadrature in alcune scene e nei flash della memoria. Per fortuna Nolan non esagera con i dettagli.
Al Pacino non sembra del tutto convinto di quello che fa. Come ho scritto prima, i personaggi non sono caratterizzati benissimo. Per un attore come Pacino ci si aspetterebbe maggior attenzione; lui vorrebbe anche mettercela tutta, ma non basta corrugare la fronte e socchiudere gli occhi per fare un mezzo sonnanbulo. Nolan non ci dà l'opportunità di identificarci pienamente nel detective, di più nel paesaggio. Bella la fotografia di Wally Pfister (ormai coppia fissa col regista), vien voglia di salire in Alaska per ammirare quella natura sempre sveglia. Williams pare convincere di più che in One hour photo perchè gioca su se stesso, costruendo il personaggio (l'unico davvero memorabile del film proprio per questo motivo) sulla sua celebre simpatia: sarà anche il cattivo della storia ma rimane sempre una persona affabile. Dopo il secondo oscar Hilary Swank anche qui la si guarda con un occhio diverso.

"Lasciami dormire" - Dormer (Al Pacino)

The Butterfly Effect

2005-03-11T23:01:00.000+01:00

Memento, Ritorno al Futuro e Donnie Darko. Tre film che balzano subito agli occhi vedendo questa pellicola realizzata da due perfetti sconosciuti e interpretata da giovani attori altrettanto anonimi. Un ragazzo ha dei pazzeschi vuoti di memoria, non ricorda eventi che hanno causato danno ad uno dei suoi due amici e ad un terzo, il fratello di una bambina a cui era legato. Forse è una malattia che porta alla pazzia, come per suo padre prima di lui. Dopo otto anni di allontanamento dal luogo in cui accadeva tutto ciò il ragazzo riprende in mano le memorie che scriveva su dei quaderni; questo gli causerà un ritorno a quegli eventi e cercherà in tutti i modi di spiegarsi come e perchè li ha cancellati dalla memoria.

Non c'è niente di veramente originale in questo film e nemmeno il modo in cui è costruito può essere davvero forte e innovativo, eppure ogni volta che un autore realizza un film sulla perdita della memoria, su spostamenti temporali e spaziali, su illusioni e quant'altro, tutto diviene subito cult. Qualcuno ha gridato al geniale, io mi sento di notare che non tutto convince: difetta tantissimo nella semplicità dei dialoghi ridotti al minimo dello sforzo interpretativo, le relazioni tra i personaggi sono schematiche, quasi stilizzate. Questi giudizi possono sicuramente suonare come delle impressioni negative, per un altro film l'avrei pensata in questo modo, ma per The Butterlfly Effect, di Eric Bress e J. Mackye Gruber, tutto gioca a suo favore. Insomma più che una strizzata d'occhio a questi e altri difetti minimi e massimi (anche di sceneggiatura) di verosimiglianza e di coerenza (gravissimi!), c'è da notare che i due registi non ne fanno un piccolo bignami su grandi argomenti come memoria, pazzia e quant'altro, non mettono tanta carne sul fuoco, narrano anche se scompostamente una storia che non annoia, che appare leggera e gradevole, non ambiziosa e nemmeno furba. Insomma il giusto necessario sacrificando qualcosa.
Ciò che mi ha fatto ricredere è indubbiamente la seconda parte, ma direi di più l'ultima: quegli spostamenti nello spazio del trauma della memoria, lo svelamento del mistero, quel voler "mettere in ordine" del protagonista prende lo spettatore della domenica sera che ha sborsato 7 euro per passare una serata con gli amici senza grosse pretese (ok, l'ho visto a casa e solo adesso, ma fa lo stesso!) Il film tende a rappresentare il trauma anche per lo spettatore, può apparire addirittura violento nel montaggio e nella regia, ma niente si perde e tutto si può gustare con un minimo di sforzo. Le differenze e somiglianze con Donnie Darko inizierebbero e non finirebbero, sarebbe un gustoso gioco di parallelismi, un togli qua e un metti là. Come prima cmq non ho dubbi: The Butterfly Effect è un concentrato diverso ma non tanto dissimile da Donnie Darko, che però nasce come cult e continua come gioco di scavo multimediale, ambizioso e forse anche arrogante. Insomma se Donnie Darko avesse avuto anche un pò della leggerezza di questa pellicola sarei subito corso a comprare il dvd appena uscito. Ma sono cmq discorsi che è meglio non iniziare, soprattutto qui sul web, perchè qualcuno rischierebbe di uscirne non illeso (io, ma solo perchè da solo non ne troverei una conclusione). Questo cinema che continua a dare lucidità ai folli, è molto interessante. Ritorno al futuro dicevo all'inizio: bè, lì la sceneggiatura è perfetta! C'è anche un telefilm a cui può essere collegato: Quantum Leap, dove la memoria difettosa del protagonista va sotto il nome di "the swiss-cheese effect".

"Stop Crying Your Heart Out", canta Noel Gallagher nei titoli di coda: dopo aver rimesso l'inconscio e la realtà al proprio posto è bene che il suo naso non pianga più sangue.
Da notare che i due registi hanno sceneggiato anche Final Destination 2, prodotto di pessima fattura. Mi dispiace per loro.

Million dollar baby

2005-03-11T14:17:00.000+01:00

Frank è un uomo che vuole gettare la spugna nel momento in cui le probabilità di farsi male sembrano più alte di quelle di vittoria; un uomo che non si arrende, nè scappa, ma ha imparato dalla vita a non rinunciare ad essa per i mezzi e i modi attraverso cui ottenerla.
Se decidi di raccontare una storia di boxe, essa non può che trascendere verso i motivi di riscatto sociale e verso la metafora della vita, motivi di cui Clint Eastwood tiene conto e che, a sua volta, riesce a farne un luogo di profonda riflessione morale. La figura del pugile è forse sempre stata, tra i film nel mondo dello sport, quella più delicata da trattare, forse perchè l'individuo che lotta per se stesso e altri in uno spazio ben delimitato come il ring ci fa assaggiare meglio di ogni altro la concretezza del vivere difficile senza spazio per eroismi di alcun tipo. Certo la materia da modellare non è grezza, di film ce ne sono e ce ne saranno ancora, però il vecchio Clint fa finta che nulla sia mai stato narrato sulla boxe e parla a noi spettatori come a un parente che non vede da molto tempo ma a cui è sempre affettivamente vicino, iniziando dalle basi, dalle sue regole fondamentali di rispetto, di distanze vitali, di quantità e di pesi distribuiti da un corpo ad un altro. Quello di Maggie Fitzgerald è un corpo ormai maturo e ormai poco adatto all'allenamento, eppure la sua volontà di combattere è la sua parte ancora grezza che necessita di qualcuno che le dia forma ed espressione. Il talento non manca alla donna, ma ciò di cui ha bisogno è la comprensione, anche paterna, delle sue difficoltà, dello sforzo per costruire la propria vita. I tre personaggi, ognuno in modo diverso, sono storie di vite interrotte sul loro finire, all'apice del loro compimento, vite che non si reggono da sole, che hanno bisogno dell'umanità (nel senso più vasto e più stretto del termine) del prossimo, un' umanità che che redime dalle colpe. Quelli di Clint Eastwood sono personaggi che camminano lungo il loro oscuro destino e si incontrano (ri)scoprendo il senso o l'occasione della propria vita. Non destini che si incrociano, ma destini che si compenetrano.
Il maggior pregio di questo film è quello di aver messo in scena gli uomini e la loro più alta essenza senza cedere in alcun modo (ed è difficilissimo) a rappresentazioni marcatamente drammatiche, raccontando tutta la storia immerso in una tranquillità e sicurezza espressiva senza paragoni.

Il sistema a tre personaggi funziona anche questa volta. Morgan Freeman, voce e spirito della palestra, copre un ruolo mistico, come quel fiume che unì e divise i tre bambini in Mystic River, ma non così perfetto da meritare l'oscar; Clint Eastwood davanti alla macchina da presa da forza a un personaggio robusto e sensibile alla vita, ma dietro sa mostrarsi migliore; Hilary Swank è umile e determinata come il suo personaggio, lo sforzo vale l'oscar.
Senza musica, solo un lieve e impercettibile accenno di chitarra, questa storia è potente perchè si fonda anche su dialoghi che odorano di concreta saggezza.
L'Academy onora il merito di Eastwood e non la persona di Scorsese, fortunatamente e giustamente.

La doppia vita di Veronica

2005-02-16T12:32:00.000+01:00

Il tema dell'archetipo del doppio visto da Kieslowski nel '91.

La "doppia vita" del titolo in realtà si riferisce a due donne: uguali fisicamente, differiscono solo perchè i loro destini hanno preso pieghe diverse ma simili a partire da un piccolo episodio della loro vita. Entrambe amano la musica: l'una è una cantante lirica, l'altra insegna musica ai bambini. La prima muore per un infarto, l'altra vive avvertendo la presenza di una vita parallela alla sua, ma che non riesce a spiegarsi, come se la morte della prima avesse influito sulla seconda Veronica. Le due donne non si conoscono, ma sono unite da uno strano senso di solitudine, un senso di unione universale degli uomini per via mistica, destini che impercettibilmente si intrecciano e si influenzano. Forse è il mistero del destino e del libero arbitrio che interessa a Kieslowski, ma forse è proprio quel cercare di spiegare per sensazioni la sensibilità olistica del destino in una persona, senza far leva su credi religiosi. Quando la seconda Veronica, quella ancora viva, si accorge della presenza, in una foto scattata durante un suo viaggio, di una persona in tutto e per tutto (tranne per il cappotto) uguale a lei, sembra che tutta la vita le si rifletta in un attimo di sofferenza interiore, mista a consapevolezza di qualcosa di cui ha sempre avuto sentore. La delicatezza di questa scena si iscrive nella storia senza eccessi di alcun tipo, eppure ha un'importanza fondamentale, quasi catartica per lo spettatore. Una doppia vita, come dice il titolo, di cui si fa carico la seconda Veronica: è forse questo il mistero del vivere? Le nostre scelte, determinanti per noi e per altri, hanno un senso universale incomprensibile perchè facenti parte di un piano ancor piano intricato ancora più imperscrutabile?

La mano di Kieslowski ci narra questa storia del doppio con una sensibilità altrettanto "mistica" quanto quella della protagonista. Tutto ci viene detto per immagini e attraverso una musica ossessiva, penetrante nella sua tristezza e semplicità. Le parole hanno poca importanza, i suoni hanno molto più spazio nel gioco di affinità tra due amanti.
Ma la narrazione coinvolgente ed emozionante passa anche e soprattutto per la fotografia. Il film è interamente immerso in un giallo da tramonto autunnale, non ci sono altre sfumature se non un continuo e avvolgente giallo e nero. Ignoro quale possa essere il significato simbolico, è certo però che gli conferisce un senso magicamente irreale. Se questi sono i pregi narrativi, non si può non escludere un'ottima interpretazione di Irene Jacob: ispirata, coinvolta, sensuale e soprattutto bellissima, ha vinto a Cannes '91 il premio per la Migliore interpretazione femminile.

Uno, due, tre!

2005-02-15T15:10:00.000+01:00

Eccellente satira di Billy Wilder sulla Guerra Fredda. La velocità dei dialoghi e della recitazione superano addirittura quelli de "La signora del venerdì" di Howard Hawks, vero capolavoro di screwball comedy. La storia è stata rielaborata a partire da una piece teatrale della quale Wilder conserva l'impronta in piani totali di lunga durata, statici e in una fotografia in focale lunga. Tutto è lasciato ottimamente alla recitazione superba di James Cagney che, pare, dopo questo film abbia disertato i set fino all'81 per "Ragtime" di Milos Forman: non so se è stato un bene, ma in "Uno, due, tre" costruisce davvero un personaggio sfavillante.

La storia è quella di un direttore della filiale di Berlino Ovest della CocaCola che, per ottenere il posto di responsabile europeo dell'azienda, accetta di ospitare per due settimane la figlia del suo capo che si trova in America. La diciasettenne però non perderà tempo nel cacciare nei guai il protagonista interpretato da Cagney che solo tardivamente scoprirà del matrimonio tra la ragazza e un comunista della zona Est. Tutto si gioca sulla rivalità ideologica tra Est e Ovest, e il direttore della CocaCola sarà costretto a far di tutto pur di non mostrare al suo capo come non sia riuscito a controllarla rischiando così uno scandalo internazionale e la perdita del suo posto: gran parte del film è infatti una corsa all'ultimo minuto per trasformare il giovane comunista in un accettabile figlio della buona aristocrazia tedesca.
Palloncini della propaganda, un orologio a cucù molto americano, una bionda e provocante segretaria che sarà merce di corruzione per tre industriali russi... questi elementi e una frase in particolare, quella in cui il ragazzo Otto esclama "Tutti in questo mondo sono corrotti?" e uno dei russi risponde "Io non conosco tutti", fanno di questo film una critica wilderiana alle due ideologie. Le battute sono straordinarie: non riesco a immaginare quanto abbiano fatto piegare dalle risate all'epoca!

Non sarà una delle pellicole di Wilder più conosciute, ma merita davvero tanto.

The Abyss

2005-02-08T13:57:00.000+01:00

Questo film di James Cameron dell' '89 lo ricordavo soprattutto per il rivoluzionario morphing del serpentone d'acqua; vedendolo per la prima volta adesso The Abyss presenta molto di più, una buona storia e una direzione delle scene d'azione che non risente del passare del tempo.

James Cameron ha trovato nell'acqua l'ambiente giusto, ancora non sufficientemente narrativizzato all'epoca, per dare vita a una visione che ricorda di sicuro "Incontri ravvicinati" per l'approccio e per il senso dell'alieno, ma anche "2001" per quanto riguarda il viaggio verso uno stato di coscienza altro dell'uomo. Le tre ore circa del film non si avvertono per quasi tutto il tempo di visione. Solo l'inizio, con l' entrata in scena dei personaggi, può risultare poco interessante, ma solo perchè oggi ne possiamo ricevere una sensazione di deja vu.
The Abyss presenta molti elementi cari al cinema di Cameron, di quello precedente e di quello che verrà: i riferimenti di scenografia e di personaggi ad "Aliens" sono lampanti, per esempio. Un film assolutamente godibile anche per le scene d'azione in gran parte subacquee che dimostrano una notevole dimestichezza di Cameron nel muovere la macchina da presa anche in condizioni non facili. Egli è sicuramente l'unico che, con questo film e il ben più famoso "Titanic", ha saputo fare dello spazio oceanico un luogo in cui cercare, trovare e mettere alla prova l'evoluzione e il comportamento dell'uomo sia in senso tecnologico che solo individuale. Nonostante la visione d'insieme che il film ci offre non sia che positiva, rappresentare però per l'ennesima volta la contrapposizione storica tra l'Occidente americano e la Russia restituisce l'unica nota un pò datata della storia.
The Abyss visto oggi è, come già o detto, un prodotto godibilissimo, coeso e interessante anche per le interpretazioni della coppia Ed Harris-Mary Elizabeth Mastrantonio e affascinante per il senso fantastico simile a quello spielberghiano. La visionarietà del finale è infatti del miglior Spielberg, ma l'uso della musica lascia un pò a desiderare. Alan Silvestri lascia la sua impronta nella prima metà del film con l'impiego di strumenti molto simile a "Ritorno al Futuro", per poi accompagnare la restante parte con sonorità appena percettibili (lasciando l'effetto di suspance al montaggio) e con cori limpidi e impalpabili simili (ma senza mai raggiungerli) a quelli di "Incontri ravvicinati", prendendo un pò dallo stile williamsiano. È da notare però l'assenza coraggiosa di musica nella sequenza del drammatico salvataggio della Mastrantonio.

Un film come The Abyss visto per la prima volta oggi non fa che ritornare alla mente un modo di concepire e realizzare film diverso da quello attuale, e mi riferisco alle grandi produzioni, e fa molto piacere scoprire film del genere.

Waking Life

2005-02-08T13:47:00.000+01:00

La tecnica desueta del rotoscoping dona alle immagini un senso di libertà e di instabilità nella rappresentazione. L'inquadratura non esiste più così come le figure, gli attori, la storia: è un film sulla consapevolezza (o non consapevolezza) della visione di un film, dell'esistenza. È un elogio al momento (sacro, baziniano) in cui vogliamo sentire di essere vivi. Inizio e fine si confondono così come la vita e la morte nel sogno.
Non il sonno, ma il sogno della ragione che proietta la sua incertezza e instabilità verso il senso della morte. Visivamente potente, colpisce anche per il fiume di dialoghi che diventano immagini e poi ritornano parole.

Operazione diabolica

2005-02-05T16:11:00.000+01:00

Grandioso film di Frankenheimer del '66 che racconta la storia cupa e fantascientifica di un banchiere che cambia identità e connotati facciali, grazie ad una misteriosa organizzazione occulta, per rifarsi una seconda vita.

Un thriller incredibilmente pessimista che fa uso di semi-soggettive irreali (la macchina da presa unita al corpo dell'attore), di inquietanti profondità di campo, distorsioni ottiche e di una fotografia contrastata al massimo. Avanguardistico incubo sul potere, interpretato da un ottimo Rock Hudson. Claustrofobico ed esistenziale con tracce di affari sporchi della politica, colpisce a sangue freddo e di spalle nell'agghiacciante finale, tra i migliori che abbia mai visto.
Il titolo originale è "Seconds".

The Aviator

2005-02-02T20:39:00.000+01:00

Il vecchio maestro seguendo le letture del bravo DiCaprio (ri)porta sullo schermo il produttore e visionario Howard Huges: in vita poteva ottenere tutto ciò che voleva, da leggenda americana e del cinema ottiene un film che lo dipinge come creatura divinamente onnipotente, ma umanamente limitata. La visionarietà di quest'uomo non aveva limiti economici e temporali. La gestazione del film "Hell's Angels" è da guinnes dei primati: due anni per qualche nuvola di meno. Più aerei, più velocità, più cineprese.
Più ossessione o più sogno non credo che lo stesso Huges sapesse cosa fosse la sua sete grandezza. Forse era solo sete di latte, un eterno ritorno alla madre e a quel bagno che per sempre l'avrebbe reso fobico verso i batteri: la paura per quanto di più piccolo e invisibile possa esserci. Le sequenze delle prove di volo sono tra le meglio realizzate perchè portano con se lo stile scorsesiano e perchè accompagnate da un'energica musica di Howard Shore. Quelle della festa ricordano "New York, New York" e ci presentano il giovane Huges la cui mente è sempre intenta a pensare a donne e ad affari nel cinema.
Huges è l'uomo che agisce come ispirato, posseduto da una voglia irrefrenabile di ampliare il suo spazio di esistenza (anche quando si chiude nella sala di proiezione in realtà sta facendo i conti in uno spazio, una caverna, mentale per rimodellare lo spazio fisico esterno); è un big fish che non si espande nello spazio stretto del mondo, ma che espande il mondo per starci ancora più largo. Se Marilyn Monroe è l'icona di una bellezza divina, pura e soffocata dallo sguardo maschile, Huges è l'icona di una grandiosità divina minata dal suo stesso riflesso, quello dell'irrisolto edipico. "Il modello del futuro, il modello del futuro, il modello del futuro, il modello del futuro". Howard Huges lo accogliamo davvero nella nostra memoria quando sentiamo queste sue ultime e ripetitive parole, pronunciate allo specchio dell'inconscio.

Scorsese si è divertito a ricreare magnificamente con musica e scenografie, nonchè con buone interpretazioni, il periodo d'oro di Hollywood senza aver lasciato su di esso un altrettanto giudizio forte e sentito alla figura di Huges. C'è una constatazione da parte sua del limite umano al sogno, al genio che qui non è portatore di un ideale (come invece il Tucker di Coppola, che guarda caso chiede al grande produttore un aiuto finanziario per la sua auto del futuro), ma è solo un agire vuoto da riempire con la compassione, quella dello spettatore non di altri. Dunque è un discorso chiuso, una tesi dimostrata sulla leggenda, sul mito e l'icona del cinema e di una nazione che paradossalmente limita se stessa. Un giudizio profondo anche sull'America di quegli anni e di sempre, ma senza incedere troppo su questo aspetto.

The Aviator è un film che avrebbe potuto immergerci di più nel cinema (riesce quasi meglio, da questo punto di vista, il deludente "Sky Captain", anche se la matrice è diversa...). Vaste scenografie, ricostruzioni, luci, ma è tutto visto da uno sguardo più alto dello stesso Huges. Scorsese non ci rende davvero partecipi del momento storico, ci distacca quel tanto per poter compatire la figura di Huges. Grande destrezza nelle sequenze di volo dove mostra una certa pulizia di movimenti (e ci mancherebbe), ma non molto che possa lasciare il segno. Non cade nel dramma retorico di molti biopic, c'è da notarlo, ma ci lascia, a conti fatti, come spettatori in un limbo impreciso. E forse questo è il cinema postmoderno di Scorsese? Non l'ho apprezzato fino in fondo. Cmq, bellissima Kate Beckinsale.

21 Grammi - Il peso dell'anima

2005-02-01T11:11:00.000+01:00

Lo spunto è semplice, sembra una di quelle curiosità che si leggono su Newton o Focus: quando muoriamo perdiamo ventuno grammi di peso. Perchè proprio ventuno? Cosa sono quei ventuno grammi? Ad Inarritu non interessano spiegazioni scientifiche, questo numero gli serve solo per dirci che una certa quantità del nostro corpo, il senso della vita (la sua direzione) ci sfugge via. La pretesa di dare senso a ciò che accade con un atto indiscusso di fede o con la consapevolezza scientifica che tutto ha un ordine numerico nel mondo, non ci esimia dal constatare che quanto perdiamo nella morte non è più recuperabile nella vita.

Sottotitolo sbagliato, secondo me. Dell'anima non si parla, il film insiste sull'aspetto contingente della vita: il corpo che cede, che viene sostituito, ferito, pesante, ucciso, inutilizzabile; aperto, perforato, cancellato. Molto "fisica" anche la narrazione che procede per inquadrature strette sui volti e sui corpi tramite movimenti di macchina a spalla e una fotografia sgranata. Ma è il montaggio l'aspetto che più interessa al regista. Frantumazione postmoderna del tempo in unità da ricostruire seconda la logica dell'effetto. La prima mezz'ora è spiazzante proprio per la temporalità spezzata in flashback e flashforward (mai tali fino alla loro ricostruzione), poi ci si abitua e si inzia a tessere la logica della storia. Cede quando essa sfuma e a reggere il film rimangono le interpretazioni di Sean Penn e Naomi Watts, perdendo di vista Del Toro ormai già vittima della vendetta. Il montaggio può ben sostenere la storia per una buona metà del film, però non crea tensione ma scene intensamente drammatiche. C'è da notare però che il montaggio tende a ricreare la casualità dei rapporti sociali, relazioni che hanno un senso solo perchè noi vogliamo darne e non perchè lo presuppongono (come invece in una logica cristiano-ortodossa).
Bisogna ringraziare le ottime interpretazioni dei tre attori (in particolare del Toro) se la drammaticità del film non cede mai. Il finale. Sean Penn è insanguinato, a pochi passi dalla morte: a spararlo è stato Del Toro o la Watts? Si gioca su questo interrogativo che poi non ottiene nemmeno una grande soluzione narrativa (niente di veramente nuovo, insomma). Più interessante invece il destino di Del Toro: si auto-dichiara colpevole dello sparo (senza esserne responsabile), per obbedire a quello che ritiene il suo cammino di cristiano penitente.

Insomma si becca la sufficienza e poco in più per il montaggio della prima mezz'ora e per le interpretazioni (la Watts la facevo più bellina...), in attesa di vedere "Amores Perros" che pare sia migliore.

Il prezzo della libertà

2005-01-29T21:25:00.000+01:00

"Siamo tutti delle puttane", "non venderemo mai la nostra arte, nè le nostre idee!"

Il film può essere facilmente compreso anche da un bambino perchè costruito tutto sulla facile opposizione fascismo-comunismo nell'America degli anni '30: c'è chi vende e compra l'arte e chi la rappresenta senza prezzo, per strada, tra le poltrone di un teatro perchè lo spettacolo è stato censurato. L'ambientazione è magnifica, sembra il '68 degli americani, una pre-rivoluzione (che non avverrà mai) che si svolge tutta nei luoghi chiusi, ma ferventi di entusiasmo artistico, del teatro, del Rockefeller Center, delle case in mogano dei capitalisti: Scenografia, costumi, musica, tutto rende molto bene una certa atmosfera dell'epoca.
La regia di Tim Robbins, che firma anche la sceneggiatura (il fratello, è tutto fatto in casa, è alle musiche), è esplicitamente teatrale e si avvale di numerosi piano sequenza di cui il più lungo, abbastanza bello, è quello iniziale che ci presenta tutti i personaggi. Il piano sequenza e montaggio sono metafora delle due ideologie: il primo è usato per mostrare le prove dello spettacolo "comunista" e le piccole storie dei suoi attori; il montaggio invece è destinato alle scene dei capitalisti-puttane. Più semplice di così si muore. La storia, l'allestimento della piece "Craddle will rock", è chiaramente un pretesto per Tim Robbins per poter lanciare una denuncia politico-sociale all'America dei nostri giorni (e il piano finale dove lo mettiamo?) e per riuscire nell'intento chiama a raccolta tutti gli attori che gli sono politicamente vicini sfondando quasi lo schermo con la realtà: dalla moglie a Bill Murray (e Jack Black!), ai fratelli Cusak. È politico però leggero, fluido e mai noioso. Qualche difettuccio per esempio nei dialoghi sempliciotti (troppo farciti di paroloni come "fascismo", "comunismo", "Lenin", "Sono Orson Welles", "censura", etc...) e nella scelta dell'attore che interpreta Orson Welles (scritturato probabilmente per il suo bravo gioco di sopracciglia) troppo gigioneggiante e caricaturale, ma del resto più fedele non si può fare (da confrontare con l'attore di RKO 281).

Simpatico film di scenografia. Sconsigliato a chi non vuol vedere l'arte "invischiata" di ideologia (comunista). Per un Robbins più impegnato meglio dare una visione di Embedded/Live, documentario presentato a Venezia61 nella rassegna Venezia Cinema Digitale-Eventi.

Dogville

2005-01-26T10:20:00.000+01:00

Il cane da guardia è l'unico abitante del luogo ad essere risparmiato dalla vendetta di Grace, anche i bambini vengono uccisi.

Geniale e sadico film di Lars von Trier. Geniale per aver scarnificato l'impalcatura di un film: dalla scenografia astratta, alla musica barocca e ossessiva, alla scansione temporale per capitoli e alla recitazione sofferta degli attori, passando per una storia esplicita nel messaggio così come nelle azioni. La bravura mostruosa della Kidman è affiancata da altrettante ottime interpretazioni degli altri attori e la caratterizzazione dei personaggi è perfetta e completa già dopo 10 minuti di film. Geniale perciò nella sua essenzialità estetica: basti pensare solo che l'intero film è stato girato con la steadycam (escludendo qualche establishing shot).
Cosa vuole dirci von Trier con questo suo Dogville? Ci sbatte in faccia il senso dell'arroganza, della fragilità dell'animo, della colpevolezza, del perdono in modo tale che ci serva da lezione, come la strage e la distruzione finale del paese serve per le altre città sotto il controllo dei gangster. von Trier che ci fa la morale? Qualcosa non mi convince, forse che la sua morale è proprio nell'essere immoralmente sadico? La bellezza (fredda) della Kidman gli serve per far apparire la sofferenza della schiavitù, che porta alla salvezza, ancora più sentita: come non si può restare ad occhi aperti sbarrati quando vediamo il collare stretto attorno al collo della Kidman per non permetterle di scappare? Sofferenza realmente fisica, che passa per lo sfruttamento del corpo, luogo ancor più visibile e scoperto dove gettare tutte le fragilità nascoste. È un grande film e un grande Lars von Trier.

Dogville è sicuramente il film giusto nel momento giusto, quanto Farenheit 9/11 lo è per altri motivi (l'uno vede l'America dall'interno, l'altro, lontasissimo, attraverso un set costruito in interni in Europa). La distanza tra von Trier e Tararantino è immensa, ma voglio un pò forzare la mano e avvicinare questo film a Kill Bill per la violenza sul corpo della protagonista (ci sono notevoli differenze, senza dubbio); invece è sicuramente molto più vicino a Kubrick di quanto si possa pensare. Ad iniziare dalla musica (ricorda molto Barry Lyndon) e dalla divisione in capitoli, ma anche per la canzone nei titoli di coda che può ricordare quella di Full Metal Jacket. Affinità e differenze tematiche e stilistiche con l'opera di Kubrick, ed in particolare con Barry Lyndon, sono state approfondite nell'interessante analisi di Mauro Caron su SegnoCinema #127.

Dogville lo metto vicino ai due The Kingdom come miglior film del danese, in attesa di vedere Dancer in the Dark (!).
In conclusione: è un capolavoro.

La foresta dei pugnali volanti

2005-01-23T21:28:00.000+01:00

Due Zhang Yimou in tre mesi! Sempre affascinanti i duelli volanti o voli duellanti. Non posso negare che mi esalto quando vedo due cinesi che volano mentre cercano di uccidersi, il tutto con grande maestria.

"Hero" e i "Pugnali volanti" sono due film alquanto diversi per intenzioni e per realizzazione, affiancarli per scrivere di quest'ultimo una recensione è il compito più facile e ingiusto, ma inevitabile. Zhang si butta sul genere wuxia omaggiandolo, lo resuscita nella sua forma originale e ci meraviglia, questa volta con la motivazione di raccontare una storia d'amore. Ecco quello che mi piace in questo film, come anche altri provenienti dall'Oriente: gli effetti non sono fini a se stessi, abbiamo una storia melodrammatica che si articola sullo sfondo di una guerra tra impero e ribelli. Ambientazione e melodramma si amalgamano così come tutti gli elementi che ne fanno parte in un meraviglioso etereo e poetico. Il film si esprime al meglio nelle coreografie e nei costumi, nonchè nella eccellente fotografia di Xiaoding Zhao, alla sua prima esperienza col cinema(!).

I personaggi sembrano essere volati via dalla superfice di un vaso di ceramica cinese: i tessuti e i disegni geometrico-simmetrici sono un abbaglio per gli occhi e anche gli ambienti in cui avviene la storia sono curatissimi nei minimi dettagli. La fotografia qui assume un diverso valore nell'articolazione dei cromatismi. Se in "Hero" si scaglionavano simbolicamente, ma anche un pò piattamente, i diversi colori della sfida e della menzogna, ne "I pugnali volanti" le sfumature di verde nella foresta di bambù o quello del blu nella scena iniziale sono concreti; c'è maggior e minor profondità tra i personaggi e l'ambiente in cui agiscono. L'astrattezza a cui mirava Hero qui è persa, la storia è più terrena: i sentimenti giocano un ruolo importante nella storia, non come in Hero dove le storie sovrastano le reali intenzioni. Il fascino visivo però non risparmia alcuni aspetti non proprio perfetti. La musica di Shigeru Umebayashi è tra gli elementi che difettano perchè troppo poco influente in alcune scene e il tema d'amore è una melodia che risulta pedante, forse perchè sembra avviarsi sulle note del main theme de Il Padrino (riascoltare per credere...). I dialoghi sono semplici e ingenui.
La scena iniziale è il fulcro dei giochi di identità che muovono tutta la vicenda: essa può forse risultare spiazzante per i suoi movimenti di macchina teatrali e per i dialoghi poco sentiti dai personaggi, ma rappresenta in un certo senso il meraviglioso del film grazie anche, e soprattutto, al "passo dell'eco danzante" dove Zhang Ziyi mostra tutta la sua bravura di ballerina. La sequenza nella foresta di bambù è la più spettacolare, un passo obbligato per il regista che vuole obbedire a tutti i canoni del genere wuxia. L'apparire dei guerrieri della Casa dei pugnali volanti ha, poi, una potenza visiva e mistica che ricorda molto quella degli elfi a Lothlorien ne "Il Signore degli Anelli".

Cosa dire degli attori che non sia già stato detto? In pochi mesi abbiamo visto la bellissima Zhang Ziyi in tre film ed in tutti dimostra le sue doti. Ci resta solo da auguraci che questo talento non venga sprecato in produzioni hollywoodiane troppo cinetiche e stereotipizzate ("Rush Hour 2" glielo concedo, ma in "Memorie di una gheisha" non deve tradirci). Di Takeshi Kaneshiro e Andy Lau vorrei vedere qualcosa di più.

Credo che nel film ci sia una citazione di DePalma: i pugnali volanti non assomigliano tanto a i coltelli in Carrie-lo sguardo di Satana? :-)

L'ultimo samurai

2005-01-16T15:34:00.000+01:00

ovvero: il Giappone nella versione soft raccontata dagli americani.
Tom Cruise ha partecipato attivamente allo sterminio dei pellerossa e adesso vive con spettacoli per un'azienda di fucili. Gli orrori della guerra lo perseguitano e così accetta di trasferirsi in Giappone per addestrare il nascente esercito per l'attacco ai samurai. Il personaggio all'inizio è l'antitesi di quello interpretato in "Nato il 4 Luglio", dove il protagonista, forte del suo coraggio acquisito in Vietnam, cercava di far valere il diritto dei reduci a non essere dimenticati. Tom Cruise in questi due film rappresenta e denuncia (qui di meno) il senso che l'America ha della guerra e il senso della sua missione democratico-espansionistica.

Non vorrei ripercorrere troppo la recensione di De Bernardinis su SegnoCinema #126, ma se si vede questa pellicola dal punto di vista ideologico, non posso non farne cenno. Il critico afferma che il film incarna l'anima dell'America, un Paese senza storia che si impegna a intervenire in quella di altri popoli per avviarla sul cammino del cambiamento (democrazia). Fin qui ci siamo. Il protagonista (un simil Lawrence d'Arabia) inizialmente indifferente alla cultura dei samurai, ne apprende i segreti e il profondo significato della tradizione; allo stesso tempo mette in luce la distruzione di una modernità troppo schiacciante e troppo veloce. C'è uno scontro di valori che non prevede una convivenza o almeno un reciproco avvicinamento dei due: Tom Cruise, sintesi e consapevolezza distaccata, riuscirà ad avvicinarle. Tradizione, modernità, cambiamento.
Oltre questo messaggio simil-ideologico il film però contrappone i due valori con una tale semplicità da risultare stilizzato. Ci sono i resistenti samurai, il virus americano e i corrotti giapponesi, tutto molto limpido. "L'ultimo samurai" non è "L'ultimo dei Mohicani", ma nemmeno un grande film sulla katana. Il suo valore viene annacquato per chi di cultura orientale ne sente parlare superficialmente: si iniettano nello spettatore sintesi estreme di filosofia guerriera e lo si avvicina a quel mondo, in questo caso efficacemente, in alcuni casi senza il filtro del doppiaggio.
Il film apprende i canoni del genere epico ma non li sostanzia in modo che se ne senta davvero il carico emotivo delle grandi storie. Metà della pellicola è dominata dalla presenza di Tom Cruise mai così narcisista nei suoi film recenti (più fastidioso che in M:I2): sarà forse che ne è anche produttore, anzi regista indiretto. Sarà anche diventato più bravo da Eyes Wide Shut a seguire, ma le sue possibilità espressive restano limitate, e non basta far crescere i capelli per creare un grande guerriero, pur sempre con la faccia troppo pulita. Non solo Tom Cruise, anche l'attore Wntanabe, di cui si è tanto decantata l'interpretazione, in fin dei conti non offre grandissime emozioni: il suo volto è troppo occidentale, e non solo.
Le scene di guerra non hanno pathos: viene mostrato troppo del campo di battaglia, non è uno scontro sporco nè con urla di coraggio (non è Braveheart, ma almeno tentare di avvicinarsi!). Inoltre i soldati dell'esercito giapponese sono troppo ridicoli per sembrare valorosi, troppa paura nei loro occhi insomma. Ma l'aspetto più ridicolo è che i samurai vanno a difendere la loro sopravvivenza e fedeltà al passato, e pare che l'ultimo arrivato sia più importante di tutti coloro che andranno a morire armati di una sola spada contro molti proiettili. Assurdo.
La cultura giapponese purtroppo viene americanizzata in ogni sequenza, anche quella del pranzo che non differisce affatto da una ambientata in America: ci manca solo che il bambino scappi dalla tavola per andare a vedere la tv! Del Giappone c'è solo l'ambientazione, il resto, dalla costruzione dei personaggi al procedere narrativo, non differisce affatto da uno realizzato dalle nostre parti. La fotografia potrebbe essere tra gli elementi che più si salvano, perchè non pretenziosa e non sciatta, ma anch'essa non fa il minimo sforzo per andare oltre i molti controluce e tonalità da new age all'interno delle abitazioni. La musica di Hans Zimmer vuole prendere spunto da quella de "Il Gladiatore" (da cui il compositore, sono sicuro, non si allontanerà mai) ma finisce per farci preferire il silenzio al suo commento musicale.

La virtù del samurai, l'uso della katana, il destino, i rituali che tendono alla perfezione dei gesti, tutto viene diluito per essere conosciuto dallo spettatore vuoto, o quasi, di ogni conoscenza sull'Oriente. In una parola: ambientazione esotica, motivo principale per cui "L'ultimo samurai" ha riscosso tanto successo. A suo favore però c'è da sottolineare che risulta coeso, mai veramente noioso, un buon prodotto soprattuto perchè riesce a raccontare una tale storia velocemente e senza sbavare. Però si sa che i prodotti americani al minimo sanno essere perfetti solo per questo aspetto. Il film è stato pensato per far soldi, ovvio, ma a me questo non interessa.

[RW] Matrix Reloaded

2005-01-02T23:26:00.000+01:00

Il tempo gioca a suo favore. Reloaded, con la visione su Sky di ieri sera, ha acquistato in divertimento e noia, minore rispetto ad un anno fa perchè quella televisiva non è una visione obbligata (nonostante il buio della stanza fosse doveroso). Minor noia, ma maggior banalità nei dialoghi e maggior piattezza dei personaggi, Morpheus su tutti. I due Fratelli hanno solo voluto dimostrare che a distanza di 3 anni sanno superare se stessi.
Il film procede per nette separazioni di scene verbose e sonoramente tranquille e scene muscolose e ipercinetiche dal suono rumoroso. I due Wachoski hanno così confezionato un sequel che è la summa della negazione di un progetto che non avrebbe dovuto svilupparsi e della propria parodia: uno spreco di soldi. Certo è che i due sequel ambiscono non solo al livello della effettistica ma anche (e qui c'è da ridere) a quello del contenuto. Sono presuntuosi e saccenti. Tendono ad approfittare della sorte infarcendo i due film con tutto il loro scibile pop senza badare a costruire un barlume di discorso chiaro e lineare. Matrix è un tentativo in chiave "cyberpunk" di costruire una Teoria filosofico-esistenziale del Tutto: creazione, creatore e creato, controllo, funzionalità e finalità dell'esistenza, domande tante, risposte confuse. È pur vero che questa seconda visione è stata meno difficoltosa della prima (mi auguro a questo punto che sia così anche per la seconda di Donnie Darko...!), ma non per questo gli si può perdonare la ridicola caratterizzazione dei personaggi. Ambienti di gioco in cui si sfidano con riserve di energia infinite i due o i multipli rivali Neo e Smith tanto che un sequel non basta: il loro "epico" duello dovrà per forza di cose protrarsi nel lungo finale del terzo film dove se ne daranno di così santa ragione che sia loro che noi capiremo quanto quei pugni (e tutto il film) non abbiano più significato, ormai.
Del primo mancano tanti elementi innovativi, anche il "verde matrix" perde di importanza sia quello dell'ormai famoso codice e sia quello della luce nel mondo virtuale. Strano a dirsi ma di Reloaded posso salvare solo tre cose: il Merovingio e il Fabbricante di chiavi (geniale creazione Wachoskiana, troppo ingiustamente rovinata da motivi di sceneggiatura [!] ); ma anche lo scontro stratosferico e mai visto prima (davvero da rimanere a bocca aperta, almeno durante la visione cinematografica) dei due tir al termine della sequenza dell'autostrada. Ah, forse un 4rto elemento: un ambiente insolito e davvero poco sfruttato, quello della "torre di controllo" bianchissima che da il benvenuto all'overcraft di Morpheus.
Ogni film è degno di essere visto totalmente fino ai titoli di coda, anche quando non ci convince affatto. Per me Reloaded al cinema fu una sfida di sopportazione: la prima mezz'ora mi disgustò così tanto che ero seriamente intenzionato ad uscire dalla sala, ciò non avvenne e rimasi fino al termine (per la prima volta!) dei titoli di coda, ma solo perchè avrei visto il trailer di Revolutions (tutti si chiedevano se l'avremmo davvero visto o meno giacchè le maschere erano già in sala con le loro scope)...
Nel caso di Reloaded, forse, il "what if..." viene spontaneo. Potremmo per esempio pensare cosa sarebbe successo se Morpheus fosse diventato un agente Smith oppure se... (ma devo pensarci meglio). Il giochetto mi riuscì meglio con Revolutions, tanto che durante la visione riuscii ad immaginarmi una versione totalmente alternativa e molto più interessante di quella che stavo vedendo.
L'immagine concettuale (o simbolica, chiamiamola così) del film è forse quella iniziale dei titoli di testa in cui vediamo il codice trasformarsi in qualcosa di 3d per poi capire che si tratta di un ingranaggio, quello di un orologio. Purtroppo nella saga non si parla di temporalità (se non quella filmica del flash-forward onirico), ma di meccanismi, di controllo, cioè del funzionamento, del come ed è in questo che l'inizio riesce bene a rappresentare il film.

Donnie Brasco

2004-11-26T15:16:00.000+01:00

Basterebbe solo fare i nomi dei due protagonisti, per convincere chiunque a vedere questo film. La storia è molto sinteticamente questa: un infiltrato dell’FBI lentamente si fa accettare come spacciatore di pietre false in una banda di gangster “minori” con l'aiuto di uno di loro, sacrificando in questo compito i suoi doveri affettivi.

Donnie Brasco è una di quelle pellicole che in un modo o nell’altro restano nella memoria, non solo per la lezione sulla frase culto “che te lo dico a fare”, ma anche per una rappresentazione un po’ diversa dei gangster. Romantici e assassini lo sono sempre stati, ma qui vengono ritratti nella loro difficoltà nel far fronte ai bisogni di sopravvivenza criminale. Nel grandioso “Il Padrino” la famiglia subiva lo sfacelo interno di pari passo con il mutamento economico-sociale dei tempi che correvano. Altri livelli, certo. In Donnie Brasco la famiglia viene addirittura sacrificata per il lavoro, la famiglia è a pezzi per incomunicabilità, e l’unica che potremmo considerare coesa è quella della banda, ma anche la sua sopravvivenza è incerta. I gangster dai nomi buffi (di cui non potrebbe mai far parte il Joe Pesci di “Goodfellas”!) sono addirittura costretti a scassinare i parchimetri della zona per poter ricavarne qualche soldo da dare semmai al Boss, e per dimenticare la loro misera esistenza, afferrano ingenuamente la palla (dell’FBI) al balzo e si concedono una piccola vacanza “d’affari” a Miami.
Quando mi dicono che Robert DeNiro è un grande attore, replico subito facendo un nome: Al Pacino. Questo film non è che uno degli esempi che si possono fare di come un attore immenso sia sempre capace di interpretare personaggi memorabili che cedono di fronte al loro destino. Il mafioso Lefty è emblematico di come la meritocrazia non regga alcun tipo di società e di come nemmeno il tempo riesca a rendere giustizia. Il suo rapporto filiale con Donnie/Joe Pistone comunica allo spettatore un certo senso di compassione per un destino ineluttabile. Gli sguardi distaccati ma partecipanti (e partecipati) di Donnie/Joe all’inizio del film e quello di Joe/Donnie alla fine sono identici, due parentesi che chiudono in se stessa la storia, il dettaglio grigio di uno sguardo catturato nella sua ineluttabilità e colpevolezza.

Critica
mymovies.it

La mano sinistra della violenza

2004-10-22T18:35:00.000+02:00

Per difendere il proprio onore lo spadaccino errante Lei Li deve sfidare un corrotto maestro di arti marziali: dal duello ne uscirà con un braccio che lui stesso si è amputato col la propria spada per mostrare la propria sconfitta, e con il giuramento di non combattere più.

Questo è l'esordio di un bellissimo film del genere wuxia pian datato 1971 e diretto da Chang Cheh, uno dei due registi che hanno glorificato il genere popolare dello wuxia pian. È tra quei film commercialissimi che avevano molto successo ad Hong Kong, nello stesso periodo in cui Bruce Lee furoreggiava dalla Cina col suo kung fu.
Sembra strano esprimere un giudizio talmente positivo per un film così relativamente scadente? Non credo. I movimenti di macchina di questo e altri film del genere hanno ispirato molti registi di oggi. Figure e stilemi li ritroviano in tante pellicole a noi più vicine (di John Woo e nell'ultimo Tarantino). I duelli sono magistralmente coreografati (quelli eroe vs cattivissimi per esempio) e coinvolgenti, esplicitamente violenti (l'amputamento del braccio destro, il colpo mortale sferrato in volo per troncare in due parti il corpo dello spadaccino Feng Chun-Chieh), nessuna sbavatura per i personaggi, interpretazioni anche queste memorabili. Un film assolutamente da vedere per chi ama i duelli con la spada giapponese.
La coreografia dei duelli potrebbe forse risultare stilizzata e ridicola, ma in nessun altro film recente (Matrix o Kill Bill addirittura tra tanti) si vede combattare con tanta competenza.
La scena forse più curiosa e divertente è quella in cui vediamo Feng Chun-Chieh steso su una corda (si, su una corda!) tra due alberi come per riposarsi su un amaca, e quella successiva in cui Feng e Lei Li parlano seduti con molta naturalezza sulla stessa corda.

Uno dei titoli internazionali del film è "Triple Irons" e si riferisce all'unica tecnica di attacco che Lei Li dovrà sferrare per uccidere il maestro corrotto: una tecnica alla cui attuabilità nemmeno il maestro credeva, ma che Lei Li riuscirà eroicamente a sfruttare pur con una mano sola, appunto la sinistra.

In America è conosciuto come "New One-Armed Swordsman", uno dei film della trilogia prodotta dagli Shaw Brothers.

Per altre info --> hkx.it

Piccolo omaggio a Francois Truffaut

2004-10-21T13:29:00.000+02:00

1984-2004

Evito la retorica delle commemorazioni per elencare alcuni temi della sua opera:

l'infanzia, alla Vigo e alla Dickens
la violazione del genere cinematografico
l'anelito di assoluto, in genere attraverso l'amore impossibile
la trasgressione individualista, attraverso la negazione di ogni ordine sociale; un anarchismo teorico, ma un nichilismo spontaneo, un paganesimo naturale alla Rousseau, che è bisogno di libertà; il limbo in cui vivono gli anti-eroi di Truffaut non è quello di rivoluzionari né quello degli onesti padri di famiglia; questi anti-eroi hanno qualcosa dei primi (il senso di soffocamento al cospetto dell'ordine sociale) e dei secondi (il prezzo dell'integrazione è la sconfitta degli ideali di purezza e libertà)
il rapporto misogino fra l'uomo fragile e timido e la donna forte, determinata ad affermare la propria personalità.

La compostezza classica del cinema di Truffaut non contempla l'inseguimento spettacolare della trama, ma un pedinamento minuzioso dei personaggi, colti nella loro umanità.

Citazioni

Un film rappresenta più o meno nove mesi di lavoro, che corrispondono ad una gravidanza, ora al cinema la quantità di informazioni e notizie che si trovano nel prodotto finito ha più o meno l'importanza di una pagina di giornale. Se uno scegliesse di far cinema perché ha qualcosa da dire sarebbe molto ingenuo, perché farebbe più in fretta a dirlo francamente in una conferenza o in un programma televisivo. Quindi uno non fa cinema perché ha delle cose da dire, ma perché ha qualcosa da mostrare al pubblico.

Per me un film deve "scorrere" come una musica, deve far pensare ad un concerto più che ad una serie di quadri di un museo. Penso che il cinema abbia molto a che vedere con la musica perché è un’arte della durata, per questo è ancora la musica che gli somiglia di più. I film che preferisco sono film «musicali», che danno cioè l’impressione di musicalità. come in un concerto, in un film si susseguono momenti meditativi, agitati, ci sono dei crescendo, il finale…

Fin da quando ero critico ho sempre pensato che i film sono destinati a tutti, non ho mai creduto che i film destinati a una élite siano migliori. Ho una concezione "popolare" del cinema, mi piace l'idea che della gente (senza preclusioni) si raduni in una sala buia; se poi un film non piace a tutti è un altro discorso. Quando filmo un sogno in un film faccio chiaramente vedere che si tratta di un sogno, non mi piace filmare delle inquadrature immaginarie presentandole come reali; non si deve giocare con la buona fede del pubblico, non voglio che la gente stia lì a scervellarsi sul significato nascosto di un'inquadratura, o sulla collocazione di una scena. Un film è come un discorso che si rivolge a della gente che attende nel buio di una «sala-chiesa»; questo discorso deve essere chiaro, avvincente, intrigante. Faccio dei film «pour intriguer et envoûter», per affascinare e stregare, non per "educare".

tratte da un libro-intervista di Aldo Tassone "Francois Truffaut, professione cinema"

Hero

2004-10-16T01:13:00.000+02:00

Ha meravigliato, ha annoiato, ha deluso: ha soprattutto diviso. Nessun grande scontro d'opinioni a livello nazionale, ben inteso, solo una delusione per chi sperava che questo fosse un capolavoro di Zhang Yimou. A ben guardare gli elementi ci sono tutti, o almeno potrebbero esserci perchè l'unica qualità che ci permetterà di ricordarlo (oltre le sue vicende distributive) è la fotografia. Dei tre nomi circolati attorno a questa pellicola, infatti solo quello di Christopher Doyle può davvero risaltare: Yimou si avventura nel wuxia pian iniziando la sua personale trilogia e Tarantino alimenta la sua popolarità (ancor di più) permettendone la distribuzione in quei Paesi ancora sventurati. Il protagonista è Senza Nome (non il Nessuno odisseico, altro eroe diversamente astuto), un prefetto di uno dei tanti regni che verranno uniti nell'attuale Cina, che resosi popolare per aver ucciso gli attentatori del Imperatore, viene da lui ricevuto per narrare la storia della sua impresa. L'impresa però ha tanto del leggendario quanto del costruito ed infatti essa servirà per poter (forse) uccidere finalmente l' Imperatore. Mettendola sul piano strettamente meta-narrativo, il film ripercorre l'espediente già visto in Rashomon di Kurosawa, cosicchè uno dei temi è il potere della finzione grazie al quale è possibile unire un popolo o permettere che divenga ancor più unito (vedi implicazioni politiche). Ma il film si dichiara ben presto come un piccolo bignami sulla filosofia orientale della spada: non arma ma estensione spirituale della fermezza e saggezza umana.

Una spada come una penna, la difesa come l'arte della calligrafia; e di nuovo la spada/calligrafia come unione degli opposti (Spada spezzata e l'Imperatore). Al di là di letture simboliche in cui un semiologo del cinema potrebbe sguazzare, il film è un grande affresco, un trionfo dei cromatismi, un lungo e leggero duello: immagini pulite per il nostro sguardo troppo affetto da kaleidoscopici effetti cinetico-digitali. La grande visività delle immagini pone il film a livelli ben superiori rispetto a tanti altri visti negli ultimi anni: onore al direttore della luce sopra citato. Eppure oltre la perfezione formale sembra mancare un pò dell'anima che ci avrebbe resi ancor più meravigliati. I duelli sono molto naturali e coerenti con se stessi, mai veramente esagerati come potrebbero essere quelli di fabbrica occidentale. Ciò che però traspare in modo quasi evidente è una fotografia troppo "di superfice" decisamente senza luminosità, mai viva seppur i colori siano molto più che vivaci e potenti. Ad una prima visione sembra che le immagini si consumino subito dopo averle guardate, non si fa in tempo ad ammirarle che qualche attimo dopo si dissolvono come nell'aria, in quel vento che sorregge i protagonisti. Ecco, i colori si consumano e così anche il film. Una pellicola sul vuoto non temporale (perchè le varie versioni, le tre morti dei due amanti ne moltiplicano questa dimensione non vorrebbero renderlo lento), ma spaziale: immense panoramiche che solo il vento, con i sui pulviscoli fatti di frecce e foglie, può riempire; vanamente i personaggi riescono con il loro volteggiare (straordinario) a giocare con questo spazio immenso. L'imperatore fa svuotare il suo palazzo per poter meglio vedere i suoi avversari, e Senza Nome di storia in storia riduce sempre di più la sua distanza da lui. Ed è sempre Senza Nome ad aver scommesso tutta la sua vita (ma anche altre 3) per riempire con un portentoso ed eroico slancio i 10 passi che l'avrebbero separato dal suo obiettivo. 10 passi per una storia, un colpo mortale, una parola, per l'unione del popolo cinese. Alcuni hanno sottolineato una certa lentezza nel film, insolita ed erronea in un wuxia pian; personalmente ho trovato il ritmo in accordo col contenuto, non mi ha annoiato.
Hero è un film sulla spada come continuo mentale dell'uomo, e questo dovrebbe bastare ;-)

aggiornamento: a suo tempo cercai e trovai troppi difetti che nel film non ci sono o almeno non sono così evidenti da ritenerli gravi.

I luoghi comuni della critica

2004-09-26T22:36:00.000+02:00

Uno dei tanti sul cinema italiano? "Divi. Mancano i divi. Manca lo star system." Ok, questo non è un luogo comune proprio dei critici, semmai degli spettatori sempre in vena di confrontare il nostro cinema con quello americano. Di frasi del genere se ne possono sentire in grandi quantità, del resto tutti noi sappiamo che gli italiani sono abili a deprecare anche quel poco di buono che si realizza (in tutti i campi). La polemica non passa mai di moda; caderci è molto pericoloso, ma se siamo in compagnia di tanta altra gente può darsi che non ce ne accorgiamo (ancora peggio). Allora per non piangere è meglio riderci su. Ed è quello che ha tentato di fare una firma del sito Cinemi.it, Enzo Battaglia, che ha redatto questo breve dizionario dei luoghi comuni del cinema italiano.
Forse l'ironia non è stata pienamente raggiunta, però mi sembra simpatico iniziare a scrivere sulla critica in questo blog, partendo dal postare la lista in questione.

Americano (cinema). Ha gli effetti speciali ma non ha anima. Uccide il cinema europeo d’autore.
Atmosfere. È un film di atmosfere, colori, sapori, odori...
Attori. Ci sono gli attori, mancano le storie.
Attrici. Quelle brave emigrano in Francia.
Attore/ attrice. Non mi sento un attore. Non mi sento un’attrice.
Autore. È un autore. Film d’autore. C’è tutto il suo cinema.
Bello. “Tutto è bello” (La meglio gioventù)
Carino. Carino ma niente di più.
Cinema italiano. La crisi del cinema italiano. Il giovane cinema italiano.
Cinquantenni. La crisi dei cinquantenni (cfr. trentenni)
Comici. Con i loro film si possono finanziare gli autori.
Commedia all’italiana. La critica l’ha sottovalutata.
Critici. Sono sempre in ritardo.
Divi. Mancano i divi.Manca lo star system.
Documentario. Non lo finanzia nessuno. In Italia manca la cultura del documentario, non come in Francia...
Esordi. Un esordio promettente. Un esordio sincero.
Fellini. Era un poeta, parlava a tutto il mondo.
Film italiano. Non sembra un film italiano.
Intelligente. Però Moretti è intelligente.
Lavoro. C’è stato prima un gran lavoro con gli attori.
Medio (cinema). Finalmente c’è il cinema medio.
Noir. Perché nessuno fa un bel noir all’italiana?
Osare. E’ un film che osa, a rischio di...
Pasolini. Se fosse vivo Pasolini.
Produttori. Una volta rischiavano di tasca loro.
Pubblico. Non bisogna dimenticare il pubblico. Il pubblico italiano vuole questo.
Quarantenni. La crisi dei quarantenni (cfr. cinquantenni)
Registi. Perché si ostinano a scrivere i loro film?
Rughe. Sai, si è fatta evidenziare le rughe.
Rigoroso. E’ un film rigoroso.
Sceneggiatori. Una volta prendevano l’autobus.
Televisione. Ha ucciso il cinema.
Televisivo. E’ un film televisivo.
Tempo (storico). E’ un film che andava fatto in questo particolare momento storico.
Trentenni. La crisi dei trentenni (cfr. quarantenni)
Variety. La Bibbia dello show- biz.
Vita. Un cinema che racconta la vita. Le cose della vita. La vita è bella.

da cinemi.it

Punch-Drunk Love

2004-09-20T14:38:00.000+02:00

Questo film si pone tra i piccoli gioiellini forgiati dal cinema indipendente americano. Il nome del regista non è più da tempo una novità: già con "Boogie Nights" e "Magnolia" (due lavori corali quanto colossali) aveva fatto conoscere il suo stile e il suo sguardo sull'ordinaria follia umana. Con "Punch-drunk Love", tradotto in italiano con "Ubriaco d'amore", Paul Thomas Anderson mette la sua firma su una storia d'amore e oppressione narrata in modo decisamente non convenzionale.
Barry Egan è l'unico fratello di sette sorelle che esercitano su di lui un controllo asfissiante. Braccato psicologicamente, si sfoga con rapidi scatti d'ira e con improvvisi attacchi di pianto. Tenterà anche di sentirsi meno solo chiamando una linea erotica, che poi gli procurerà altri problemi. L'unico spiraglio di libertà lo trova comprando centinaia di scatolette di budino che verranno poi convertirti in 1000 miglia aeree, unica reale possibilità di fuga. Ma la vera felicità giungerà solo quando incontrerà l'amica di una sorella, grazie alla quale troverà l'amore e la comprensione che gli mancavano.
Riportata in questo modo la storia risulta essere banale e scontata, ma Anderson è lontano dal renderla tale. Il suo "tocco" è originale perchè la rende una storia a tratti surreale e grottesca (gli scontri con i balordi che reclamano i soldi "promessi" alla ragazza della linea erotica), a tratti astratta, cmq molto piacevole e per nulla infarcita di veri rimandi psicologici. Le immagini sono molto cromatiche: il blu elettrico domina su tutti gli altri colori anche grazie a degli originali giochi di luce. I movimenti di macchina sono innovativi per una storia d'amore (Anderson non rinuncia nemmeno ai piano sequenza), così come anche l'uso frastornante della musica (percussioni e simili). Originale anche perchè è enigmatico. L'harmonium, appena lasciato per strada e che poi verrà raccolto dal protagonista, porta subito la storia ad un livello simbolico ed astratto. Quell'ogetto sta a simboleggiare l'occasione che Barry ha per "suonare la sua musica" (quella dell'amore) contro tutti i rumori (delle voci delle sorelle e del lavoro) che lo circondano e che lo investono. "Ubriaco", Barry lo è perciò prima di tutto a livello sonoro. Un film sul suono e sulla luce (le linee dei riflessi e i controluce stilizzanti), entrambi usati con un forte simbolismo.
Adam Sandler, comico americano poco conosciuto in Europa, s'incarna bene (per alcuni ottimamente) nel personaggio di Barry, così come Emily Watson in quelli della graziosa ragazza.

Peccato che questo film sia passato praticamente inosservato nelle sale italiane. Merita tutto il tempo della sua durata, 90 minuti, pochissimo se leggiamo quella degli altri due film del regista.

Critica
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RevisionCinema

Fahrenheit 9/11

2004-09-20T13:47:00.000+02:00

Il film che fa discutere, il film verità... È, più di tanti altri film, un documento del momento storico che viviamo, la Palma d'oro dimostra quanto avessimo bisogno di un tale punto di vista.
Fahrenheit 9/11 è sconvolgente perchè la tesi dimostrata da Moore non ha trovato alcuna prova che la faccia cadere, dunque si pone come assolutamente veritiera (anche se non completo in tutto). Del documentario è stato già detto di tutto sui giornali perciò non mi va di ripetere ciò che è evidente (la seconda parte è la più fiacca, Moore arranca e abbassa il ritmo della sua ironia per dar spazio alle interviste ai familiari).
Chi decide per la guerra? E perchè si decide di iniziarla? Alla seconda domanda Moore non fa altro che approfondire attraverso le immagini la motivazione che tutti ormai conosciamo: è la guerra di un texano per il petrolio. Alla prima Moore risponde con quell'ironia che tanto è piaciuta a Tarantino: la guerra l'ha decisa (anzi, l'ha "solo" messa in atto) un folto gruppo di imbecilli. Un figlio di papà, peggio di papà, che è sempre in vacanza e un gruppetto di tipi che leccano il proprio pettine o cantano davanti ai giornalisti. Insomma tutt'altro che uomini di politica (eppure in Italia ce n'è uno solo di questi e ne combina anche di peggiori).
È un documentario di immagini che completano il terrore scaturito da quella degli aerei che si scontrano sulle due torri: Bush che riceve la notizia è da brividi, le bare dei caduti americani, il bambino morto, un braccio distrutto, madri che si disperano per i figli morti o per la loro innocenza negli stupidi giochi di guerra. Il nero e l'audio dell'impatto con le torri è agghiacciante. Già nel film collettivo "11 Settembre 2001" uno dei corti (il più duro forse) mostrava solo il nero cinematografico, le urla degli americani sotto le torri e alcuni flash delle persone che si gettavano dai grattacieli si imprimevano sulla retina con impatto maggiore.
Il legami con la famiglia Bin Laden, il senso di terrore provocato nella popolazione americana, il Patriot Act, la manipolazione delle info da parte delle tv... in effetti Moore tocca un pò tutte le questioni scottanti con risultati migliori sul versante finanziario della famiglia Bush grazie all'ironia sprezzante (there's no time to cry, happy happy...).
Si esce dalla sala pensando: mi Dio, è questa la gente che decide per il mondo?!
Agghiacciante.

The Terminal

2004-09-20T13:25:00.000+02:00

Spielberg per la seconda volta gioca con le emozioni della commedia: farci dimenticare le paure globali è il primo obiettivo che si pone anche per questo film. L'ultimo uomo spielberghiano è Tom Hanks che dal ruolo di co-protagonista in "Prova a prendermi", passa a quello di protagonista nell'ultimo "The Terminal", intepretando un uomo che attende, con grande pazienza e grande spirito di adattamento, di "obliterare" il mito americano prima di ritornare a casa.

Questa volta al regista interessa la condizione del tutto eccezionale di un uomo che è costretto a vivere in un aeroporto perchè non riconosciuto come persona giuridica; un individuo in uno spazio di confine, fuori da un mondo che controlla tutto e tutti. Dunque, "inaccettato" dall'America perchè non riconosce la sua provenienza, non ha un'identità e perciò non può godere dei diritti in concessione "gratuita". L'America che si difende e controlla non aveva previsto un simile caso che pertanto dimostra come il sistema non sia solido come è stato pensato. La vera falla, lo smacco del sistema burocratico americano si nasconde però nel barattolo che il protagonista porta sempre con se che desta curiosità e allarmismi in chi lo circonda: egli cerca solo di avvicinarsi all'America del sogno, quello del jazz che ha oltreppassato i confini. Eppure ciò non è possibile: difendersi da una minaccia così poco sovversiva, risulta a taluni un bisogno più che necessario, bisogno in questo caso illogico e sintomo di debolezza. Il rapporto che da subito si istaura tra il protagonista e il suo nuovo spazio di azione è esemplare del discorso che Spielberg porta avanti dal film precedente. Viktor Navorsky (un Hanks che nell'interretazione fisica ricorda molto Tati o come tanti hanno scritto anche Keaton) non vuole scappare dall'aeroporto per conquistare troppo facilmente la libertà; egli decide di agire all'interno delle norme sociali (burocratiche), modificandole, in modo del tutto personale e dunque geniale, quel tanto per sopravvivere senza sforzi eccessivi. Così ricava i primi soldi riponendo i carrelli al loro posto, scambiando informazioni tra due persone riesce ad ottenere il cibo che gli serve, attraverso la gentilezza e la sincerità (anche se non ricambiata) cattura l'attenzione di un'assistente di volo, personaggio a lui simile e complementare. "The Terminal" e "Prova a prendermi" dimostrano una certa somiglianza nella messa in scena, nonchè naturalmente nel tono da commedia d'altri tempi. Anche in "Prova a prendermi" il protagonista era capace di adattarsi al mondo grazie alla propria capacità (persuasione), ma in quel caso scappava: trasformava il latte in burro per salvarsi, lo faceva per capovolgere la realtà a suo favore (grazie alla finzione), modificava l'ambiente in cui agiva. In "The Terminal" il protagonista è meno inquieto e più maturo: non scappa e accetta a costo di attendere. Spielberg tocca in modo evidente la realtà quando a Viktor Navorsky gli si offre la possibilità di essere riconosciuto a costo di dichiarare la propria paura: dove troviamo una critica a Bush se non in questa scena?
Con questa seconda pellicola (la terza politica), Steven Spielberg di cerca di conciliare uno sguardo critico alla attuale situazione mondiale con uno sguardo divertito. Ci riesce, ma in parte. Una risata non può in questo caso sostenersi se non c'è un solido sguardo critico. Entrambi gli aspetti si incontrano, ma un pò prima di giungere a una solida maturazione. Appare così una pellicola certamente buona, ma non affinata totalmente. Si nota addirittura una minima prolissità nei venti minuti finali (circa, dal bacio in poi).Tutti i film intorno alla questione dell' 11/9 sono al limite imperfetti: vedi quello di Moore o il film collettivo "11 Settembre 2001". L'unico capolavoro resta "La 25a ora" di Spike Lee: in questo caso abbiamo uno sguardo impietoso sulle colpe dell'uomo, una storia drammatica. Resta perciò da capire qualche sia il punto di vista più efficace per mettere luce sullo stato attuale del mondo: il sorrido che scaturisce dal film di Spielberg, il cinismo di Sean Penn nel suo cortometraggio o il documentario di Moore (anch'esso ironico)? Una nuova pellicola da oggi in sala è "La terra dell'abbonzaza" di Wim Wenders che saprà illuminarci in altri sensi.Con ciò non voglio di certo separare discorsi filmici cercando quello più giusto, sarebbe eccessivo. Riguardo la colonna sonora credo che Williams dimostri sempre come non sia assolutamente banale in ciò che compone. La musica qui coinvolge e sottoilinea nella giusta misura gli avvenimenti del film, però non nascondo che apprezzo di più quella di "Prova a prendermi" che ritengo più varia e "memorabile".

Tutto quello che non ho scritto
" E l'extraterrestre, o meglio l'uomo extra territorio, l'uomo senza patria (a men without a country, come lo chiama Enrique), diventa da un lato un elemento di disturbo dell'attività istituzionale di controllo e vigilanza, ma dall'altra arricchisce il patrimonio umano dell'ambiente, riuscendo persino a intavolare una platonica storia di (quasi) amore con la hostess Amelia (Chaterine Zeta-Jones) sempre perduta in storie con uomini sposati e perennemente in viaggio, in movimento verso altrovi. Ed è in questo iato, in questo stridente contrasto tra il luogo di passaggio per eccellenza, dove si sta il tempo necessario per essere trasportati altrove, e questo altrove perenne che diventa il l'aeroporto per Viktor che sta la forza del film di Spielberg, che sa materializzare il Terminal come una personalissima casa dei sogni, dove tutto è possibile, persino le storie d'amore di cui Viktor si fa tramite, che si concluderanno con un fantastico matrimonio tra Enrique e la bella poliziotta Dolores." da: Sentieri selvaggi

Mar Adentro

2004-09-13T01:15:00.000+02:00

L'ultima edizione della Mostra di Venezia si è chiusa senza alcun importante riconoscimento ad un film italiano nella fattispecie quello di Gianni Amelio, lasciando così esterrefatti tutti i critici che ne avevano sottolineato con forza il valore artistico nonchè interpretativo. Tra le varie pellicole papabili del Leone d'Oro c'era anche l'ultimo film di Alejandro Amenàbar, "Mar adentro", che ha ricevuto la Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile, consegnata a Javier Bardem, e il Premio per la miglior regia. Se il film vincitore del Leone d'Oro, "Vera Drake", tratta la difficile questione dell'aborto, "Mar adentro" ne affronta un'altra altrettanto scottante: l'eutanasia. Un film dunque importante e difficile, un discorso portato avanti dal regista senza alcuna esitazione, con grande sicurezza. Amenàbar non è nuovo nell'affrontare la tematica di una condizione sospesa tra la vita e la morte; in questo caso però lo spunto narrativo è dato dalla storia reale di un uomo, tetraplegico condannato al letto da 26 anni, che desidera e fa di tutto per ottenere un riconoscimento giuridico alla sua volontà di morire. Così grazie ad un caso limite il regista ci parla della vita, del suo significato ultimo, della libertà che ogni uomo deve avere per poter decidere di se stesso. Per chi circonda il protagonista, egli potrebbe essere un esempio forte di vita o di irrazionalità, ma anche una fonte di responsabilità come anche un individuo su cui caricare le proprie frustrazioni. Ramon però non desidera tutto ciò: prosegue lungo il suo sogno, un ritorno al punto di rottura (anche in senso letterale) della sua vita, quel tuffo distratto e fatale. Il titolo fa così riferimento alla proiezione immaginifica del protagonista in quell'oceano di libertà senza il peso verso il "fondo" che lo condanna all'immobilità. Attraverso gli occhi, il corpo e infine lo spirito, il mare penetra in Ramon donandogli finalmente la pura felicità, non più il sorriso triste. Condividere e comprendere la decisione di morire prescinde da ogni tipo di spiegazione logica, così come l'amore. Il film calca sull'impossibilità del giudizio altrui ad una tale condizione, offrendo una certa neutralità allo spettatore. Comprendere per il regista equivale a far identificare lo spettatore con il personaggio dell'avvocata: ella si avvicinerà molto alla condizione del suo assistito quando la sua malattia degenerativa la condannerà alla paralisi della gambe. Amenàbar non si esime dall'esprimere un'opinione negativa nei confronti di una normazione giuridica non adeguata a far fronte a casi di eutanasia; è sconcertante constatare come un'individuo sia in questo modo costretto a darsi la morte in modo illegale e facendo attenzione a non coinvolgere altre persone nel concretizzare la propria decisione. Il senso di morte pervade tutta la pellicola. Essa ci appare attraverso la particolare vicenda di eutanasia, come la più naturale delle caratteristiche umane. La morte va dunque accettata per quella che è, anche se nel corso della vita cerchiamo di frapporre ad essa pensieri felici. Ciò che insegna il personaggio di Ramon è così l'accettazione gioiosa della morte, quel nulla da cui abbiamo origine e che cerchiamo di colmare grazie all'immaginazione.
Dalla sala si esce con un vero senso di partecipazione: commossa o meno, sarà la storia di ognuno a determinarlo. Alejandro Amenàbar è un regista che già ci ha parlato della morte, ma in modi del tutto diversi. Basti pensare al penultimo film "The Others" con Nicole Kidman, dove una madre e i suoi due figli non riescono ad accettare la terribile verità che essi siano già morti; oppure il precedente e riutilizzato "Apri gli occhi" in cui Amenàbar sfrutta l'espediente della morte fredda (criogenica) per mostrarci il desiderio di un giovane yankie di poter vivere oltre la malattia, oltre la morte del corpo. Con un maggiore sforzo mnemonico e analitico possiamo ritrovare tracce di questa tematica anche nel primo film "Thesis": qui abbiamo però un'estremizzazione in un simil omaggio agli snuff movies. Nel gioco dei rimandi tra le varie pellicole, cercando di trovare un filo "discorsivo", è curioso notare come l'inizio di "Mar adentro" possa rimandare al finale, o meglio all'ultimo fotogramma, di "Apri gli occhi" dove una voce femminile nel futuro imprecisato del corpo del protagonista, lo accoglie invitandolo appunto ad aprire gli occhi sulla realtà; in "Mar adentro" sempre una voce femminile insegna al protagonista come aprire gli occhi verso lo spirito oltre la corporeità.

Mostra di Venezia: cerimonia di premiazione

2004-09-11T20:56:00.000+02:00

Cerimonia di Premiazione in diretta su Raidue. Quale errore più madornale! Se non mi avessero dato la possibilità di vederlo non mi sarei sentito così disgustato e imbarazzato.Una totale assenza di spettacolo, tempi non rispettati, la Gerini (bella donna) totalmente impreparata, Bova... non ne parliamo.Leone d'oro a "Vera Drake" (un film sull'aborto)... ma non era data per certa la vittoria di Amelio? Dovrà accontentarsi di un successo al botteghino... Vabbè si sa, i critici sono una cosa, la giuria un'altra... (peccato).Un misero (ma almeno misero!) premio al bellissimo film di Miyazaki (messaggio di pace, un trionfo dell'immaginazione tra tanti film disperati): essere in concorso è già un miracolo.. forse è meglio accontentarsiPer la migliore attrice... bah. C'è chi favoriva addirittura la Kidman! Io tifavo per la Bruni Tedeschi: brava nel film di Ozon che meritava anche qualcosa. Attrice non bellissima, ma genuinaPer il resto... speravo in una seconda edizione della rassegna sul Cinema italiano dei "b-movies", ma sembra che l'anno prossimo ci saranno film orientali. Non male

2004-09-11T01:07:00.000+02:00

2004-09-11T01:00:00.000+02:00

2004-09-10T23:31:00.000+02:00

Ciao